Les meilleurs films de 2000

À peu près tout le monde convient que 1999 a été une excellente année pour les films. Nous ici à l'AV Club ne prions pas de différer: nous avons affirmé cette opinion consensuelle l'été dernier, lorsque nous avons revisité et classé les meilleurs films de l'année révolue , ne découvrant pas de pénurie d'anciens favoris qui ressemblaient encore à des triomphes à la lumière dure du recul. (Oui, Fight Club tient le coup. Vraiment!) Mais si la réputation de 99 en tant que mini-renaissance cinématographique reste plus ou moins incontestée, que dire de l'année qui a suivi? Qu'en a- t- on dit?

Il y a certainement moins de champions des premiers nouveaux films de notre nouveau millénaire, surtout lorsque vous vous limitez à ceux qui sortent dans les salles américaines avant que l'an 2000 ne devienne l'an 2000. De nombreux évaluateurs critiques en décembre des deux dernières décennies n'ont pas pu s'empêcher de comparer les meilleurs films de l'année aux meilleurs films des précédents.an. Les Oscars n'ont pas beaucoup aidé le représentant des années 2000: alors que la version à succès d'Hollywood d'une épopée à l'ancienne à l'épée prenait la version chinoise au succès inattendu en Amérique, la sous-carte a brossé le tableau d'une année hors du commun pour le médium ... même si quelques des chefs de file des candidatures étaient en fait assez bons. (Voir ci-dessous.) Et puis il y a eu la prolifération soudaine de films tournés en vidéo - pas la vidéo élégante et proche du celluloïd à laquelle nous nous sommes habitués aujourd'hui, mais le genre primitif de bas niveau vu (et jamais invisible) dans aventureux mais des films indépendants comme Chuck & Buck , Time Code et le superbe Dancer In The Dark de Lars von Trier . S'il y a une telle chose comme une année de transition dans le flux continu sans fin de la réalisation de films, l'an 2000 pourrait être admissible, au moins pour des raisons technologiques.

Mais si 2000 n'a pas pu concurrencer, dans les estimations immédiates des cinéphiles, les trésors de 1999, une certaine distance a fait des faveurs à la crème de sa récolte. Ce qui veut dire, oui, il y avait beaucoup de films exceptionnels sortis à l'aube du siècle. La comédie américaine a fait une forte performance, avec des cinéastes comme les frères Coen, Christopher Guest et même David Mamet offrant certains de leurs traits les plus effrayants. Les livres «inadaptés» ont obtenu de superbes adaptations. Von Trier a fait une comédie musicale. Jim Jarmusch a fait une photo de samouraï. Steven Soderbergh a laissé tomber deux films en neuf mois. Pendant ce temps, l'art et essai était inondé de visions de premier ordre du monde entier, toutes ne présentant pas des lames qui se heurtaient à la cime des arbres verdoyants. Et, dans un développement positif pour l'industrie, de nombreux films de femmes ont fait sensation auprès des critiques et du public - ce n'est pas du tout un phénomène courant à l'époque.

Pour préciser les choses, nous nous sommes limités, comme d'habitude, aux films sortis en Amérique au cours de l'année en question. Cela signifie, une fois de plus, que quelques restes du circuit des festivals de l'année précédente (voir, par exemple, le n ° 2 ou le n ° 7) ont été jugés éligibles, mais aussi que quelques-uns qui ont été créés en 2000 mais n'ont pas été en salles par Le réveillon du Nouvel An a été disqualifié. (Revenez l'été prochain pour une liste de films de Christopher Nolan, Wong Kar-wai et l'un des plus grands festivals de Cannes de tous les temps.) Sinon, la liste ci-dessous ne reflète que le goût des 13 contributeurs qui ont voté - et, en outre, comment ils se sentaient il y a une semaine, pas 20 ans. Pour une version 2000 de l'année 2000 au cinéma, consultez Google. Soyez simplement prêt à entendre à quel point les films de 99 étaient meilleurs.

Meilleur spectacle

Un vrai documentaire sur l'élevage de chiens de compétition mettrait vraisemblablement en vedette certains personnages excentriques. La version fictive, située dans le monde bizarre et chaleureux de Christopher Guest, est comme un ThunderShirt pour les humains. L'ensemble de Guest est à son plus fort ici, avec les joueurs de Waiting For Guffman Catherine O'Hara, Parker Posey, Michael McKean, Michael Hitchcock, Eugene Levy et le réalisateur lui-même de retour au bercail . Le film présente également de nouveaux visages hilarants au Guestverse, comme Jennifer Coolidge et Jane Lynch en tant que respectivement éleveuse et dresseuse de chiens dont l'affaire n'est pas aussi clandestine qu'ils le pensent, et John Michael Higgins en tant qu'aimant mais haut. entretien coiffeur papa de shih tzus Mlle Agnes et Tyrone. C'est la partie aimante qui est la clé de l' attrait de Best In Show ; même les blagues à rire aux éclats comme le commentaire de couleur désemparé de Fred Willard ont une douceur qui se marie parfaitement avec la sottise, créant une comédie aussi chaleureuse qu'hilarante. [Katie Rife]

Chien fantôme: la voie du samouraï

"Est-il vrai que vous ne parlez jamais à personne et que vous n'avez pas d'amis?" Pearline (Camille Winbush) demande au tueur à gages Ghost Dog (Forest Whitaker), peu de temps avant que son nombre d'amis ne grimpe à deux, elle incluse. L'autre, un glacier (Isaach de Bankolé), ne parle pas anglais. Peu importe que le couple ne puisse pas communiquer avec la langue; la compréhension vient du sentiment. La même chose peut être dite du drame policier drôle mais indéniablement triste de Jim Jarmusch. Ancré par le Whitaker magnétique et tiré inexorablement vers l'avant par un score à ne pas manquer de RZA, Ghost Dog jette des tropes de westerns, des images de samouraï, des films de foule et du noir, le tout pour nous plonger dans la vie d'un personnage adhérant à un code (ou genre) personne d'autre ne suit. L'immobilité de Whitaker agit comme des sauts de ligne dans la poésie: elle permet à Jarmusch de ponctuer les dialogues clairsemés, les éclats de violence et l'humour surréaliste, presque caricatural avec tranquillité, comme un cardinal en équilibre sur le canon d'un fusil de sniper. [Allison Shoemaker]

Hamlet

La carrière éclectique de Michael Almereyda de trois décennies est en grande partie composée de bizarreries inspirées, et son adaptation vestimentaire moderne de la plus longue pièce de The Bard ne fait pas exception. Mettant en vedette Ethan Hawke dans le rôle du prince héritier maussade de la Denmark Corporation, ce hameau de l' an 2000 déborde d'invention visuelle et d'anachronisme spirituel, traitant sa toile de fond contemporaine de New York avec un véritable sentiment d'émerveillement, tout en capitalisant sur la désorientation discordante de son ultra-moderne réglage. Bien connu pour ses diverses expériences avec la caméra PixelVision, Almereyda juxtapose une gamme de formats vidéo de bas niveau avec des images ultra-claires de penthouses de grande hauteur et de la richesse de Wall Street. D'une durée d'un peu moins de deux heures, le film est trop agressivement réduit pour devenir un Hamlet vraiment définitif . Mais pour sa transformation technologique du texte, il est parmi les plus imaginatifs. [Lawrence Garcia]

Le vent nous portera

Le regretté Abbas Kiarostami a clôturé une décennie de cinéma poétique avec un portrait langoureux de la communauté qui se double d'une appréciation des petites ironies de la vie. The Wind Will Carry Us suit une équipe de tournage de quatre personnes - dirigée par «The Engineer» (Behzad Dorani), le seul membre que nous rencontrons - qui se rend dans un village isolé dans l'espoir de capturer les rituels de deuil des habitants après la mort imminente de une femme de 100 ans. Malheureusement pour eux, non seulement la femme ne meurt pas, mais sa santé s'améliore, ce qui met l'équipe dans les limbes. Pour passer le temps, l'ingénieur s'investit dans les luttes des citadins. Kiarostami garde souvent les informations clés hors du cadre, les reléguant dans la bande-son dense et complexe; il invite essentiellement le public à combler les vides visuels avec sa propre imagination et les aiguille vers les rythmes de la vie rurale quotidienne. Le style du réalisateur était toujours unique, mais rarement plus engageant intellectuellement et émotionnellement. [Vikram Murthi]

Incassable

Bien qu'il ait été annoncé comme un thriller surnaturel, la suite de M. Night Shyamalan à The Sixth Sense s'est avérée être une histoire d'origine de super-héros ingénieuse se déroulant dans la mythique Philadelphie du scénariste-réalisateur. Un sentiment de mystère et de regret entoure son héros réticent (Bruce Willis) et le riche collectionneur de bandes dessinées (Samuel L.Jackson) qui l'aide à découvrir ses pouvoirs, créant l'une des déclarations les plus astucieuses (et émouvantes) du thème de la carrière de Shyamalan sur les miracles. et les affrontements du bien et du mal se cachant à la vue. Alors que Incassable la réputation de » comme l' anti-blockbuster de super - héros réaliste n'a fait que croître depuis les films de bande dessinée et franchises atteint la domination mondiale, une grande partie de sa puissance surnaturelle est due au fait qu'il offre encore tous les plaisirs par excellence d'un poste - Film de super-héros de Batman - des costumes mémorables à une partition à élimination directe - avec style. [Ignatiy Vishnevetsky]

Trafic

La guerre contre la drogue est un échec, et presque tout le monde dans Traffic le sait. Steven Soderbergh a remporté l'Oscar du meilleur réalisateur - en battant son travail sur Erin Brockovich , pour lequel il a également été nominé - pour ce drame d'ensemble suite aux manœuvres concurrentes d'un tsar de la drogue (Michael Douglas), un policier mexicain (Benicio del Toro), deux Des agents de la DEA (Don Cheadle et Luis Guzmán) et la femme au foyer d'un pivot (Catherine Zeta-Jones). Le scénario de Stephen Gaghan, adapté d'une minisérie britannique, explore la fluidité avec laquelle les forces de l'avidité se déplacent au-dessus de la frontière américano-mexicaine, dévastant les deux côtés. Le trafic s'intéresse surtout à l'héroïsme (et, souvent, à la futilité) de la lutte contre la corruption - un thème qui allait façonner le reste de la carrière de Soderbergh; il est depuis devenu l'un des critiques les plus avisés du cinéma américain sur les institutions, et combien de fois ils sont en désaccord avec les personnes mêmes qu'ils ont été créés pour protéger. [Roxana Hadadi]

Haute fidélité

Peut-être que High Fidelity est censé sembler problématique aujourd'hui: une glorification des gardiens snob, des rockistes et des mauvais petits amis qui est basée sur la réduction de la vie réelle au top cinq des listes. Mais considérez l'audace considérable de John Cusack prêtant son image de gars sensible à un propriétaire de disquaire obsédé par lui-même qui est, tout compte fait, moins sympathique que le meurtrier à gages qu'il a joué à Grosse Pointe Blank . High Fidelity partage avec cette comédie noire une équipe de scénaristes et une relation ambivalente avec la nostalgie (avec, oui, une autre bande originale de tueur ). Il est aussi inhabituellement perceptif sur les faiblesses morales de ses personnages tout en comprenant l'attrait cloisonné de s'asseoir autour de faire des listes inutilement faisant autorité (ahem), qu'il s'agisse de «side one, track one» ou de ruptures dévastatrices. Ces qualités étaient présentes dans le roman de Nick Hornby, ici fidèlement transposé de Londres à Chicago, mais elles gagnent en résonance lorsqu'elles sont placées dans le canon de Cusack du chagrin ringard. High Fidelity se sent maintenant carrément prescient sur la relation tendue entre l'extase du fandom et l'agonie d'être une sorte de bâtard. [Jesse Hassenger]

Nulle part où se cacher

Grâce à la victoire inattendue de Parasite aux Oscars, l'Amérique grand public découvre enfin le cinéma coréen, mais les cinéphiles connaissent depuis longtemps les innovations démentes émanant de la moitié sud de cette région. Nowhere To Hide de Lee Myung-se peut être difficile à digérer, surtout à ce moment historique - le film célèbre sans doute la brutalité policière, encourageant les flics qui pensent principalement avec leurs poings - mais peu de films d'action ont poussé l'abstraction visuelle à des niveaux aussi délirants. Une bagarre photographiée entièrement comme des ombres sur les murs; un match de lutte qui se métamorphose brusquement en une valse tendre; des images en noir et blanc ponctuées de ce qui ressemble à des images fixes colorées à la main (synchronisées avec la partition musicale); une pièce d'assassinat construite autour du hit atypique et non disco des Bee Gees «Holiday» - il n'y a guère de moment qui ne donne pas la priorité au style à la substance, souvent au point où ce dernier se sent carrément hors de propos. Lee a finalement échoué à créer un nouveau type de cinéma, mais cette première tentative reste galvanisante. [Mike D'Angelo]

La nouvelle routine de l'empereur

Cela aurait dû être l'une des catastrophes les plus notables d'Hollywood: des années après le début de la production d'une épopée animée appelée Kingdom Of The Sun , Disney a décidé que le projet ne fonctionnait pas, inspirant son réalisateur (Roger Allers, qui a co-dirigé Le Roi Lion ) à quitter. Plusieurs chansons que Sting avait été chargé d'écrire ont été abandonnées, et le tout a été repensé à la hâte comme une comédie large et farfelue, avec un personnage de soutien odieux exprimé par David Spade devenant le nouveau protagoniste du film. Cela ressemble à une recette infaillible pour l'échec, mais le réalisateur remplaçant Mark Dindal et son équipe se sont apparemment sentis libérés par le chaos, adoptant une attitude de diable qui embrassait la folie pure pour elle-même. Le résultat est aussi proche que Disney est jamais arrivé à la sensibilité anarchique de Chuck Jones, illustrée par le moment où la méchante Yzma (Eartha Kitt) ordonne au flunky Kronk (Patrick Warburton) de tirer le (mauvais) levier secret, la laissant tomber dans une fosse de crocodiles, et retourne à demander avec lassitude: « Pourquoi avons-nous même avons ce levier? » [Mike D'Angelo]

Amour et basket

Love & Basketball n'a pas mis trop de points sur le tableau du box-office. Mais avec le recul, son éventuelle montée au statut de culte classique - et son influence sur une génération de cinéastes - aurait dû être prévisible. Les débuts de réalisatrice de Gina Prince-Bythewood s'étendent sur plusieurs décennies, ou «quatre quarts», alors que les aspirants joueurs professionnels Monica ( Sanaa Lathan ) et Quincy (Omar Epps) tentent d'équilibrer leur vie personnelle avec leurs rêves sportifs. L'un des rares films de sport à ce jour raconté du point de vue d'une femme, le film est également un portrait profondément nuancé de l'amour noir, avec un aperçu approfondi de l'évolution des rôles de genre et de la richesse des Noirs à l'âge d'or du hip-hop et de la superstar de la NBA. . De ses scènes de gameplay psychologiquement expressives à sa sensualité inventive (un jeu de strip-hoops se démarque), Love & Basketball a revigoré le drame sportif et a ouvert la voie à sa réinvention. [Beatrice Loayza]

État et principal

David Mamet canalise son esprit caustique et son cynisme dans une comédie d'ensemble à la Preston Sturges sur une production hollywoodienne qui prend le contrôle d'une petite ville du Vermont. La prémisse du gros poisson dans un petit étang n'a rien de nouveau, mais un casting de sonneurs (William H.Macy, Philip Seymour Hoffman et Alec Baldwin, entre autres) l'anime, tout comme le dialogue rythmique singulier de Mamet. Ligne pour ligne, State And Main est le film américain le plus drôle de l'année, mais sa politique a curieusement bien vieilli aussi - ce qui ne peut pas être dit à propos de nombreuses autres œuvres de ce dramaturge devenu cinéaste. La seconde moitié dépend des tentatives désespérées de la production pour dissimuler les abus sexuels de leur star, et le film cloue la lâcheté morale de presque toutes les personnes impliquées, dont la rhétorique rationalisante joue souvent comme les défenses les plus dignes des pires contrevenants de # MeToo. La conclusion de Mamet est d'une importance déprimante: lorsque suffisamment d'argent et de pouvoir sont impliqués, «faire la bonne chose» a peu de valeur réelle au-delà de la protection de son âme. Il s'avère que le film, tout comme le film dans un film, parle vraiment de pureté. [Vikram Murthi]

Bambou

Pas depuis que son alter ego avait jeté une poubelle à travers la fenêtre de la célèbre pizzeria de Sal, Spike Lee n'avait pas exploité si directement sa propre colère droite. Combinant des éléments d'actes d'accusation passés dans le showbiz comme Network et The Producers , cette satire cinglante suit un dirigeant de Black TV (Damon Wayans) dont le projet de se libérer de son contrat se retourne de manière spectaculaire lorsque sa création délibérément offensive - une émission de variétés de ménestrel de retour, placée sur une pastèque patch et mettant en vedette des acteurs noirs dans Blackface - devient un succès improbable auprès des téléspectateurs et des critiques. Lee surcharge le film avec des intrigues secondaires, de larges personnages de soutien et des aspects éditoriaux, mais il ne perd jamais de vue sa thèse: comment les stéréotypes déshumanisants ont évolué au fil des décennies, prenant la forme cosmopolite de la comédie «avant-gardiste» et de la satire elle-même pour s'enfoncer davantage dans les fissures et les crevasses de notre culture pop. Grossièrement sous-estimé à sa sortie, Bamboozled semble plus que jamais d'actualité alors que le mensonge d'une Amérique post-raciale s'est effondré en plein jour; la seule chose datée du film est sa cinématographie numérique hideuse. [AA Dowd]

Fils de Jésus

Même si toutes les nouvelles de la collection Jesus's Son de Denis Johnson en 1992 sont racontées par le même type - un drogué bâclé connu uniquement sous le nom de «Fuckhead» - le livre semblait être un fourrage improbable pour une adaptation cinématographique, étant donné que ses vignettes sont souvent grotesques, surréaliste, et seulement vaguement connecté. Mais la réalisatrice Alison Maclean, une équipe de scénaristes, et la star Billy Crudup (habilement soutenue par une distribution éclectique d'acteurs de personnages de premier plan) ont trouvé un récit significatif dans le travail de Johnson, en le transformant en une histoire picaresque de la vie en marge. Le doux et émouvant Fuckhead - parlant tout au long de la voix bizarrement et hésitante de Crudup - nous emmène dans une tournée à travers les vies étranges et sombres des trafiquants de drogue et des utilisateurs au cœur de l'Amérique. Même s'il essaie lui-même de trouver un moyen de sortir de la dépendance, l'homme reste un observateur attentif de l'humanité à son meilleur et à son pire - ne jamais juger, toujours s'émerveiller. [Noel Murray]

George Washington

La Caroline du Nord de George Washington est un espace liminal entre naturalisme et romantisme, entre les dures réalités d'une Amérique appauvrie et les rêves de ses jeunes habitants. Après un groupe d'adolescents principalement noirs au cours d'un de ces derniers étés étouffants de l'enfance qui n'existent peut-être que dans les films, le premier long métrage à micro-budget de David Gordon Green reste l'un des grands débuts indie du nouveau millénaire - et pour Green lui-même, un acte difficile à suivre, ce qui peut expliquer le parcours en zigzag de sa carrière au cours des années qui ont suivi, passant des comédies de stoner hollywoodiennes aux redémarrages de slasher . Si le cinéaste n'est jamais revenu à la véritable magie de George Washington - un film de jeune homme dans tous les sens du terme - beaucoup d'autres ont essayé de la conjurer à nouveau; tout comme Green a puisé dans les triomphes de Terrence Malick et Charles Burnett dans les années 1970, son propre style swoony a fait écho à travers les sensations de Sundance et les publicités de jeans . [AA Dowd]

Presque connu

«Qu'est-ce que tu aimes dans la musique?» Le journaliste adolescent William Miller (Patrick Fugit) demande à Russell Hammond (Billy Crudup), le «guitariste mystique» du groupe de rock des années 70, Stillwater. «Pour commencer, tout», dit Russell, coupant la toxicité, l'ego et l'orgueil que Cameron Crowe dépeint avec une honnêteté et une chaleur simultanées au cours des deux heures précédentes (ou deux et demie, dans la coupe du réalisateur de luxe) de son semi -dramédie autobiographique. William est censé garder son scepticisme alors qu'il accompagne la tournée cross-country de Stillwater, mais il ne peut s'empêcher de tomber amoureux de la stérilité poétique d'un groupe en difficulté, parfois transcendant - et du plus grand fan du monde, Penny Lane, animé par une Kate Hudson jamais meilleure. D'ailleurs, est-ce que quelqu'un dans ce film a déjà été meilleur ailleurs? Même des poids lourds comme Frances McDormand et Philip Seymour Hoffman correspondent à leur meilleur travail dans un ensemble qui imprègne chaque joueur d'une joie et d'une tristesse palpables alors qu'ils vivent, respirent et se crient l'un contre l'autre. Crowe aime le rock'n'roll hokey de 1973, bien sûr, mais il aime encore plus ses personnages. [Jesse Hassenger]

Ô frère, où es-tu?

O frère de Joel et Ethan Coen , où es-tu? a une qualité de chien hirsute, comme si les frères étaient encore en train de secouer une gueule de bois blanche russe et maui Wowie de The Big Lebowski. Ou peut-être que ce n'est que l'humidité, alors que les scénaristes-réalisateurs rassemblent tout un gâchis de signifiants culturels pop des années 1930, les enveloppent dans un liant et se lancent dans une balade joyeuse à travers le sud de l'époque de la dépression. Le nom du film fait référence aux voyages de Sullivan, le classique vissé de Preston Sturges , et la structure est tirée de l' Odyssée d' Homère , mais le véritable cœur du film réside dans la forme d'art plus familiale de sa bande-son bluegrass. George Clooney apporte le charisme de star de cinéma à la procédure en tant que Everett, chef d'un trio maladroit de condamnés en fuite; il est accompagné de John Turturro et de Tim Blake Nelson comme Pete Hogwallop et Delmar O'Donnell, des hommes humbles dont les dispositions obtuses peuvent être facilement discernées à partir de leur patronyme chrétien (comme le dirait le grandiloquent Everett). En dehors de la scène, ce sont des criminels recherchés. Sur scène, ils sont les Soggy Bottom Boys, un groupe de chant dont la première chanson, «Man Of Constant Sorrow», est meilleure qu'elle n'a le droit d'être - à la fois dans le film et à l'extérieur. [Katie Rife]

Un danseur dans la nuit

Parmi toutes les femmes désintéressées de l'œuvre de Lars von Trier, aucune n'est soumise à un anti-karma plus sadique que Selma (Björk), l'ouvrière d'usine immigrée presque aveugle qui s'échappe dans des numéros imaginaires de chant et de danse dans Dancer In The Dark . Pourtant, la version des années 1960 du provocateur danois de la comédie musicale hollywoodienne est l'une de ses œuvres les plus fluides et les plus fascinantes. Malgré l'esthétique vidéo déglamisée (qui comprend des séquences de fantaisie musicale complexes coupées ensemble à partir d'une variété d'angles statiques et de surveillance), le mélange caractéristique de manipulation émotionnelle et d'effets de distanciation déconstructifs de von Trier est plus accentué que jamais, attirant la sincérité désarmante du film vers un sombre conclusion. La relation dans les coulisses entre le réalisateur et Björk était notoirement toxique, mais bonne chance pour en trouver la preuve à l'écran dans cette vision de l'innocence punie. Que quelqu'un comme Selma ne puisse exister dans notre monde est finalement le point. [Ignatiy Vishnevetsky]

Chasseur de rats

Au milieu de toute la pauvreté, des abus et des morts déchirantes typiques du misérablisme britannique, Lynne Ramsay sauve la beauté, la compassion et la vie précieuse pour atteindre un sommet de ce mouvement qualifié de péjorativement. Dans son premier long métrage, l'Ecossaise de 30 ans a résisté à la tristesse matraquante qui plane sur de nombreux drames néoréalistes superficiellement similaires, faisant correspondre ses représentations inébranlables de traumatismes et de difficultés dans les années 70 à Glasgow avec des passages d'émerveillement lyrique saisissant. Une souris attachée à un ballon navigue vers la lune et rejoint une colonie de ses heureux frères; dans la scène la plus transcendante, notre garçon James (un William Eadie durable mais vulnérable) grimpe par une fenêtre et s'envole dans un champ de blé élyséen, flottant et libre. Il vaut la peine de s'échapper, ce que Ramsay articule dûment. Et pourtant, comme les protagonistes des trois autres films du canon compact de Ramsay, il n'a d'autre choix que de sortir de l'obscurité, d'une manière ou d'une autre. [Charles Bramesco]

Les suicides vierges

Avant que Lost In Translation établisse Sofia Coppola comme l'une des principales autorités en matière d'ennui et d'ennui, ses débuts rêveurs - une adaptation du célèbre roman de Jeffrey Eugenides - offraient un portrait radical et obsédant de la jeunesse et de la puberté contrariée drapés d'imprimés floraux et de rose pâle. . Qui étaient les filles de Lisbonne et pourquoi ont-elles décidé de se suicider? Ces questions persistent dans l'esprit d'un groupe de garçons du quartier, dont nous adoptons le point de vue alors qu'ils luttent pour comprendre ces jeunes femmes mythiques et leur chef de file fougueux, Lux (une lumineuse Kirsten Dunst). Contre les paroles inadéquates de son narrateur masculin, Coppola imprègne le film d'images enivrantes et impressionnistes - des robes blanches tachées d'herbe, un pull accroché à une épaule nue, des magazines brillants et des corps léthargiques étalés sur un tapis. The Virgin Suicides est ce rare film de passage à l'âge adulte dans lequel le mystère de l'adolescente coexiste avec une compréhension palpable de ce que cela fait d'être une, étouffée et aspirant à plus. [Beatrice Loayza]

La maison de la gaieté

Longtemps éclipsé par The Age Of Innocence (qui compte de plus grandes stars de cinéma et un réalisateur légendaire travaillant contre le type), la version extrêmement étrange de Terence Davies sur le roman de 1905 d'Edith Wharton se classe néanmoins parmi les plus grandes adaptations littéraires des deux dernières décennies. Davies a en quelque sorte reconnu une qualité jusqu'alors inexploitée à Gillian Anderson, qui était encore connue presque exclusivement sous le nom de Dana Scully à l'époque (le film a été tourné entre les saisons sept et huit de The X-Files ); sa performance en tant que Lily Bart, une femme pauvre et indépendante qui lutte pour maintenir sa place ténue dans la haute société, est si intensément délibérée qu'elle donne l'impression que quelqu'un traite son existence même comme un rôle théâtral, s'efforçant de la garder suffisamment divertissante pour que les bienfaiteurs potentiels ne perdent pas leur intérêt. Le film s'ouvre sur un ton d'amusement ironique et avance inexorablement, presque imperceptiblement, vers une dévastation résignée. [Mike D'Angelo]

Psycho américain

Lors de sa première création, American Psycho était considéré comme une satire très spécifique de la culture des années 1980. Mais son histoire d'un banquier d'investissement meurtrier de Wall Street s'est avérée de plus en plus intemporelle depuis. En adaptant le roman controversé de Bret Easton Ellis en 1991, la réalisatrice Mary Harron et son co-auteur, Guinevere Turner, ont réduit la violence du livre, augmenté sa satire et ajouté une lentille féministe pointue. Et ils ont ancré le film autour de la plus sombre des blagues: le frère moyen de la finance est littéralement indiscernable d'un tueur en série. La performance sans ego de Christian Bale est la clé pour vendre l'humour du monde du machisme compétitif obsédé par la vanité et embarrassant de Patrick Bateman, où les concours de cartes de visite et l'anxiété de réservation de restaurant sont la norme. (Bonne chance pour avoir une table à Dorsia.) Grâce à la maîtrise parfaite du ton de Harron, American Psycho est tour à tour dérangeant, absurde et drôle de rire. C'est aussi un avertissement prémonitoire sur les dangers imbriqués du capitalisme et de la masculinité toxique. [Caroline Siede]

Tigre accroupi Hidden Dragon

L'industrie cinématographique chinoise était en pleine mutation en 2000, alors que le transfert en 1997 de Hong Kong et de l'entrée imminente de la Chine à l'Organisation mondiale du commerce menaçait de bouleverser les anciens rapports de force. Pourtant, personne ne s'attendait à un  retour de wuxia d'un réalisateur taïwanais déjà installé à Hollywood pour populariser le côté plus romantique du cinéma d'action en langue chinoise pour les masses internationales. Les spectateurs ( et époustouflants ) du monde entier ont enchanté les spectateurs ( et ont épaté les esprits ) du monde entier. Mettant en vedette une distribution qui comprenait de véritables superstars Chow Yun-fat, Michelle Yeoh et Cheng Pei-pei, ainsi que le nouveau venu, Zhang Ziyi, ce conte élégamment chorégraphié se déroulant dans la Chine du XVIIIe siècle a présenté à des millions de téléspectateurs l'art exaltant du chinois. épopées d'arts martiaux d'épée et de chevalerie. Et ils ont répondu à hauteur de plus de 200 millions de dollars dans le monde. [Katie Rife]

Tu peux compter sur moi

Une âme rebelle (Mark Ruffalo) retourne dans sa charmante mais étouffante ville natale pour rendre visite à sa sœur plus responsable (Laura Linney). Ensemble, les deux réfléchissent à leur passé, présent et futur, en travaillant sur leurs problèmes de confiance. La prémisse de ce premier long métrage du scénariste-réalisateur Kenneth Lonergan, qui allait continuer à faire Margaret et Manchester By The Sea , sonne comme le genre le plus morne de drame indépendant. Mais l'écriture de Lonergan et couplé mise en scène avec deux performances-est de plomb épouvantablement vives si bracingly présent , révélatrices qui sont ces gens par ce qu'ils font, dans les scènes qui sont souvent à court et au point. You Can Count On Me exprime ses thèmes dans des moments simples de tranche de vie, où quelque chose d'aussi basique que de savoir si un membre de la famille voluptueux peut effectuer une course quotidienne de manière fiable provoque un suspense au bord du siège. [Noel Murray]

Beau Travail

Une rêverie de physicalités et d'opacités transforme la réinvention par Claire Denis du roman inachevé de Herman Melville Billy Budd en un ballet énigmatique. Dans un camp de la Légion étrangère à Djibouti où les recrues passent leurs journées à s'entraîner et leurs nuits dans des clubs de danse locaux, un officier (le singulier Denis Lavant) se consume de jalousie envers un jeune légionnaire (Grégoire Colin). Bien que riche en références et sous-textes, ce chef-d'œuvre résiste magnifiquement à l'intellectualisation. Dès ses premiers instants, on est simplement invité à suivre le courant, alors que Denis tisse ses fascinations (parmi lesquelles les corps masculins, la musique et les pays africains de son enfance) dans un film souvent muet qui se sent à parts égales improvisé et imprégné de poétique. double sens, construisant vers un plan final transcendant. Beau Travail reste l'œuvre la plus célèbre de Denis et l'un des films d'art incontournables du tournant du millénaire. [Ignatiy Vishnevetsky]

Yi Yi

Edward Yang savait que la vie était douce-amère. Sinon, pourquoi commencerait-il son dernier film lors d'un mariage et le terminerait-il par des funérailles? Yi Yi , chef-d'œuvre serein de nostalgie, de regret et de commisération, se déroule au cours de l'année (et trois heures de fonctionnement) séparant ces événements. Le regretté grand réalisateur taïwanais jongle gracieusement avec les problèmes relationnels d'un père d'âge moyen (Wu Nien-jen), de sa fille adolescente (Kelly Lee) et de son beau-frère financièrement irresponsable (Xisheng Chen), en plans larges afin astucieusement composées, elles pourraient être exposées dans un musée. Il crée aussi de belles rimes, comme dans un passage qui entrecoupe des retrouvailles entre amants séparés et la cour hésitante d'un premier rendez-vous. Si le cinéaste a un substitut à l'écran, c'est un petit garçon avec une caméra, qui prend des photos de la nuque des gens pour leur montrer le monde sous un nouvel angle. Mais on peut aussi voir un peu de Yang, décédée d'un cancer quelques années après la sortie du film, dans la séparation, peut-être de l'affection imaginée d'une grand-mère malade, revenant du bord de l'oubli pour offrir un peu de réconfort avant son départ. En un sens, n'est-ce pas ce que Yang nous a donné avec ce magnifique chant du cygne: un adieu aussi réconfortant qu'une chaleureuse étreinte? [AA Dowd]

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Double indemnité Le terme « film noir » est souvent utilisé pour décrire un grand nombre de films. Les néo-noirs, le film soleil et d'autres retombées et mutations de ce type sont également utilisés pour décrire les efforts récents dans tous les domaines, du film des frères Coen à la dernière saison de True Detective.

La scène post-crédits laisse entendre que les fans peuvent probablement ignorer le reste des films Marvel

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LOS ANGELES – Traitant les téléspectateurs d'un avant-goût des plans à venir de la franchise, Shang-Chi et la légende des 10 anneaux auraient conclu avec une scène post-crédits qui laissait entendre que les fans pourraient probablement ignorer le reste des films Marvel. "Reste après le générique parce que Marvel taquine qu'ils sont fondamentalement à court d'idées à ce stade et que vous pouvez passer à autre chose", a déclaré le critique de cinéma Ned Whitly, déclarant aux journalistes que la courte séquence cachée à la fin du film a confirmé une théorie de longue date des fans selon laquelle tout l'univers cinématographique était à bout de souffle et n'avait plus grand-chose à dire.

33 suites de films qui illustrent le meilleur et le pire de la nostalgie

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La première bande-annonce du quatrième film Matrix à venir depuis longtemps est sortie la semaine dernière, et ça a l'air bien, mais si j'essayais d'expliquer la prémisse de The Matrix Resurrections en me basant uniquement sur ces nouvelles images, je finirais probablement plus ou moins décrivant The Matrix (l'original de 1999, c'est-à-dire). Cette chose est-elle vraiment une continuation de l'histoire, ou est-ce une réimagination du premier film ? Lana Wachowski est une cinéaste sans cesse inventive qui a participé à la création de certains des concepts de films les plus originaux des deux dernières décennies, je n'ai donc pas l'intention de l'exclure.

Johnny Depp en tête de la liste Forbes des acteurs les plus surpayés de 2015

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En raison en grande partie de la mauvaise performance de son flop critique et commercial Mortdecai, Johnny Depp est en tête de la liste Forbes des acteurs les plus payés en 2015. La liste des films de Depp en 2015 n'a rapporté que 1 $.

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