Le talon tourne: 23 stars de cinéma jetées contre un type comme des méchants

Les méchants peuvent être beaucoup plus amusants à jouer que les héros. Il suffit de demander à Gary Oldman ou à Christoph Waltz ou à tout acteur qui a construit un curriculum vitae sale avec des scélérats. Mais peut-être que le côté obscur exerce une attraction particulièrement séduisante sur les artistes qui ne se spécialisent pas dans les poids lourds, ceux qui se sont fait la réputation de jouer le vertueux, le digne de confiance, voire le simple goofball. Lancer les stars les plus remarquables contre un type comme de grands méchants peut être passionnant - pour la star comme pour le public. Ci-dessous, nous avons identifié 23 acteurs qui ont poussé à l'encontre de leur histoire ou de leur habitude de bien jouer, soit en sortant de leur timonerie normale, soit en donnant une tournure malveillante à leurs personnages établis. Remarque: nous avons exclu les révélations de la méchanceté, car ce serait une liste beaucoup, beaucoup plus longue.

C'est la voix: ronronnante et avonculaire, désireuse d'assurer et d'être rassurée. En tant que comédien, Albert Brooks a utilisé cet outil pour incarner une série de sacs tristes peu sûrs et de bonne humeur tout au long des années 80 et 90, puis l'a appliqué pour réchauffer une liste de films d'animation post-millénaire. Et c'est encore cette voix qui fait son tour dans Drive , en tant que gangster juif Bernie Rose, si profondément troublant. C'est toujours Brooks là-haut, se promenant dans des chemises en soie fluides et riches, mais le réalisateur Nicolas Winding Refn révèle sa nature monstrueuse de manière elliptique, avec un penchant pour la violence qui ressort aussi vite et net qu'un cran d'arrêt. Apparemment, pour vendre le réalisateur sur le casting off-key, Brooks a épinglé Refn contre le mur , puis a murmuré: «Pour être violent, vous n'avez pas à crier après les gens. C'est ce mélange même de douceur et de malveillance qui mène à la scène la plus dérangeante du film , lorsque Brooks assassine son complice et le rassure doucement, alors qu'il saigne: «Ne t'inquiète pas, ne t'inquiète pas. C'est ça. Il n'y a pas de douleur. C'est fini." Il a l'air de chuchoter Nemo pour qu'il s'endorme. [Clayton Purdom]

L'image d'Henry Fonda en tant que star de cinéma était inextricablement liée à l'Occident américain, en particulier à ses valeurs fondamentales d'individualisme laconique et de patriarcat bienveillant. Décrit par son contemporain Richard Widmark comme «la frontière américaine - en partie histoire, en partie folklore, en partie mythologie», il serait une figure paternelle idéalisée même si sa fille Jane n'était pas devenue une star de cinéma également. Laissez à l'un des premiers grands révisionnistes du genre, Sergio Leone, le soin de puiser dans le côté obscur du destin manifeste en présentant Fonda comme Frank, un défenseur impitoyable des intérêts des entreprises (dans ce cas, un magnat des chemins de fer affamé de terres) qui massacre un toute la famille dans sa première scène de Once Upon A Time In The West. Confronté à un jeune garçon terrifié debout au milieu des corps de son père décédé et de ses frères et sœurs, l'un des hommes réunis demande: «Qu'allons-nous faire de celui-ci, Frank? Après avoir réfléchi pendant un moment, Fonda répond froidement: «Maintenant que tu m'as appelé par mon nom…» et tue le garçon sur le coup. Désolé, gamin. C'est juste des affaires. [Katie Rife]

Sarah Michelle Gellar jouait Buffy Summers pendant près de trois saisons entières avant de jeter son image de bonne fille au vent avec une métamorphose sexuelle adolescente de Liaisons dangereuses . Échangeant ses cheveux blonds emblématiques pour un noir corbeau, Gellar joue le rôle de Kathryn Merteuil, la royauté adolescente sociopathique d'une école préparatoire de Manhattan, manipulant la vie amoureuse de ses camarades de classe pour un divertissement pervers. Alors que Kathryn la déguise, eh bien, des intentions cruelles derrière une réputation angélique d'enfant riche («Je suis la Marcia putain de Brady de l'Upper East Side», ironise-t-elle), Cruel Intentions a permis à Gellar de se séparer des plus clairs, personnage héroïque qu'elle a cultivé à la télévision. Sa femme fatale aristocratique grince son demi-frère ( je sais ce que vous avez fait l'été dernier costar Ryan Phillippe), renifle de la coke sur un collier crucifix et verrouille les lèvres avec un pair virginal (Selma Blair). En fin de compte, tout est plutôt apprivoisé, mais Gellar court avec cette rare opportunité de communier avec son côté obscur. C'était aussi proche que les fans de Buffy auraient pu voir la tueuse devenir complètement vampire. [AA Dowd]

Les films de Tom Cruise de la première décennie de sa carrière de mégastar ont tendance à observer son personnage en train de déterminer comment utiliser au mieux une sorte de compétence surnaturelle - voler des avions, conduire des voitures, tirer au billard, tendre un bar - pour finalement se racheter. Dans le thriller nocturne Collateral de Michael Mann , le personnage de Cruise n'a jamais eu ce compte ou l'a rejeté depuis longtemps. Pour son premier rôle pur et simple ( Interview With The Vampire ne compte qu'à moitié), Cruise joue Vincent, un tueur à gages dont le talent spécial est le meurtre. Le film est venu vers la fin d'une longue série de Cruise jouant avec son image de dieu doré, et lui donnant des cheveux gris, un cœur froid et une combinaison familière de course surhumaine et de discussions d'encouragement avec des artistes de conneries le rend aussi digne d'une croisière étude des étoiles comme un film Mission: Impossible . La façon dont Vincent parle à son acolyte réticent, Max (Jamie Foxx), sonne même un peu comme Hunt donnant des ordres aux membres de l'équipe du FMI, reconfigurée pour soulever des questions quant à savoir si cet homme confiant et beau est digne de confiance (quelque chose que le public de Cruise devrait se demander. dans la vraie vie peu de temps après). [Jesse Hassenger]

Ce n'est que les conséquences de 30 ans de chants de théières et de meurtres soigneusement résolus qui font que le méchant nominé aux Oscars d'Angela Lansbury se transforme en The Mandchurian Candidate choquant ou déplacé. Avant cela, Lansbury portait assez régulièrement le chapeau noir, faisant un devoir de femme fatale dans des films comme Please Murder Me! , et même se faufiler dans une frénésie post- Bedknobs And Broomsticks alors que Mme Lovett dans un téléfilm prend Sweeney Todd . Cela ne rend pas moins passionnant, cependant, d'entendre la glace absolue dans la voix de Mme Potts dans le classique du complot John Frankenheimer, ordonnant sans broncher à son fils soumis au lavage de cerveau (Laurence Harvey) de tirer sur un candidat à la présidence afin de sécuriser ses maîtres. «montée au pouvoir. Pendant ce temps, le seul aspect de JP Fletcher qui est mis en évidence est le même sang-froid de fer qui a fait face à tant de tueurs maladroits au fil des ans: même si elle tremblait pratiquement de fureur, promettant une vengeance sur ses ennemis - une histoire très différente aussi vieille que le temps - La voix veloutée de Lansbury ne s'élève jamais au-dessus d'un murmure agréable et légèrement détaché qui est plus mortel qu'une douzaine de balles d'assassin. [William Hughes]

Le scénariste-réalisateur David Mamet préfère le minimalisme sévère de ses acteurs, donc tout ce que Steve Martin avait vraiment à faire dans Le prisonnier espagnol était de se présenter et de livrer le dialogue précisément conçu du scénario, avec le rythme et l'énonciation appropriés. Néanmoins, le qualifier d'escroc intelligent Jimmy Dell était absolument génial. Mamet profite de la célèbre personnalité hors écran détendue et raffinée du comédien, le dépeignant comme quelque chose de facile à admirer mais par nature ombragé. Alors que Jimmy tente de convaincre un génie de l'ingénierie sous-estimé (Campbell Scott) de remettre ses dernières créations, Martin est l'incarnation même du cool amoral. Il fait semblant de montrer à sa marque les secrets de la richesse et du pouvoir, tout en ramassant sa poche. Jimmy est le moteur de l'intrigue tordue de Mamet, car il représente tout ce que le héros aspire à être. [Noel Murray]

Denzel Washington a joué sa part de méchants fils de putes, mais aucun rôle n'a plus réussi à subvertir son charisme naturel que son tour oscarisé en tant que Alonzo Harris, le flic du LAPD plus sale qu'un dépotoir qui prend la nouvelle recrue d'Ethan Hawke sur un tournez-vous vers le côté obscur lors de la journée d'entraînement . Voir le sourire de mille watts de Washington refondre le sourire d'un personnage de Méphistophélès vêtu de noir est un choc, mais la performance a plus de couches: Alonzo est peut-être un gangster violent avec un badge, mais en dessous, il est aussi psychologiquement acculé que le juriste corrompu l'a joué. par Harvel Keitel dans Bad Lieutenant . Dans ses derniers cris provocants («Je cours cette merde, vous vivez juste ici!»), La peur traverse le fanfaron. [Ignatiy Vishnevetsky]

Il ne serait pas juste de réduire la carrière de Ben Kingsley à des variations sur la sainteté; il a exposé suffisamment de gamme (et a joué suffisamment de clients amoraux) pour échapper à la catégorisation comme exclusivement de grands hommes. Néanmoins, bon nombre des rôles les plus emblématiques de l'acteur anglais - sa célèbre interprétation du Mahatma Gandhi, son doux rôle de soutien dans la Liste de Schindler - ont poussé la noblesse au premier plan. C'est exactement ce qui fait de son Don Logan, le gangster psychopathe de Sexy Beast , une valeur aberrante électrisante. Envoyé pour convaincre l'ex-condamné Gary «Gal» Dove (Ray Winstone) de quitter sa retraite pour un dernier braquage, Don est l'incarnation du passé criminel de quelqu'un qui les rattrape: un scélérat violent et grossier d'une autre vie, rampant hors de les boiseries et y enfonçant les talons. Parlant avec un ricanement de Cockney, Kingsley savoure les jurons et les éclats de staccato savoureux de Don. Ce qui rend la performance vraiment effrayante, cependant, c'est l'intelligence calculatrice et la stratégie derrière chaque crise de colère - une qualité qui relie cette folle, en quelque sorte, à l'activiste compatissant que l'acteur a remporté un Oscar. [AA Dowd]

Gregory Peck restera toujours dans les mémoires comme Atticus Finch, avocat et défenseur des idéaux américains de tolérance, de décence, de compassion et d'intégrité, que l'acteur incarnait dans la version cinématographique de 1962 de To Kill A Mockingbird . Le baryton sympathique et les traits noblement ciselés de Peck sont finalement devenus si synonymes de droiture morale qu'il a dû les recouvrir d'un accent allemand et d'une moustache chenille pour jouer l'un des plus grands monstres du XXe siècle, le nazi «Angel Of Death», le Dr Josef Mengele . Même dans ce cas, Peck ne peut pas tout à fait cacher sa nature essentiellement décente, essayez comme il le pourrait sous un torrent d'affectations d'acteur. Le résultat est un criminel de guerre qui se révèle plus comiquement démenté que vraiment sinistre, obligeant le film à fournir une preuve vivante de la cruauté du médecin sous la forme de figurants «déformés». Cela n'aide pas que le plan farfelu de Mengele consiste à produire un nouvel Adolf Hitler - une gamme compliquée de subterfuges d'agences d'adoption et de théories discréditées sur le clonage qui n'était pas non plus la meilleure heure de l'auteur original Ira Levin. [Katie Rife]

Un sens inné de la décence n'est pas tout ce qui a empêché Tom Hanks de jouer à de nombreux méchants. Compte tenu de sa nuance et de sa polyvalence sous-estimées en tant qu'acteur, il est difficile d'imaginer un personnage de Hanks comme moralement simple, c'est là que beaucoup de méchants hollywoodiens typiques atterrissent (et où son anti-héros hit man de Road To Perdition ne le fait pas). Goldthwaite Higginson Dorr, le chef de file voleur que Hanks dépeint dans le remake des frères Coen de The Ladykillers , est plus compliqué par sa verbosité que par sa moralité; c'est un planificateur de braquages ​​et de meurtres potentiels, déguisé avec des boucles sans fin de civilité dandifiée (et des tenues beiges). C'est le contraste auquel Hanks, dans sa première et jusqu'à présent la seule performance de Coens, s'accroche, et ce qui rend son travail si délicieux (et le film, s'il est vrai le pire des Coens, peut-être quelques tiques mieux que sa réputation). Après une décennie de parties pour la plupart sérieuses pour un ancien acteur de bande dessinée, il a peut-être fallu que Hanks ait l'air si ridicule. [Jesse Hassenger]

Après avoir dépeint l'une des femmes et mères les plus aimées de la télévision dans The Dick Van Dyke Show , Mary Tyler Moore est devenue la femme de carrière qui pouvait «allumer le monde avec son sourire» dans sa propre  sitcom éponyme . Dans les deux rôles, elle était courageuse, de bonne humeur et, par-dessus tout, aimante. Trois ans à peine après la  Moore Mary Tyler Voir partit l'air, l'acteur a émergé comme un rhume, parfaitement maniéré matriarche en 1980 le premier film de Robert Redford, Les gens ordinaires , un film sur la désintégration d'une famille de classe supérieure après la mort accidentelle de son fils aîné. Une partie de ce qui rend la volte-face de Moore si puissante ici est la façon dont son ancien personnage persiste: son personnage est une femme en deuil, terriblement limitée dans l'amour qu'elle est capable de donner à son enfant survivant, qui masque sa douleur sous un air ensoleillé. C'est une performance incroyablement crédible. [Laura Adamczyk]

Cliché comme il est à le souligner, Quentin Tarantino reste un maître dans la résurrection de l'attrait initial d'une star fanée. Faire de Kurt Russell le cascadeur meurtrier Mike dans Death Proof , sa moitié du double projet de loi Grindhouse , est l'un des joyaux de la couronne du réalisateur. Tarantino en avait assez de voir Russell gagner des éloges en tant que bons gars sans ambiguïté dans des films comme Dreamer et Miracle , et a déclaré qu'il voulait que l'acteur «redevienne un dur à cuire», mais c'est en quelque sorte une erreur de dire le type de dur à cuire que Russell était dans les années 80 et Des années 90. Dans les films classiques de John Carpenter et les câpres avec sa femme Goldie Hawn, Russell était toujours raffiné et attachant, ses yeux pétillants d'une touche de jeu. Death Proof corrige bien sûr sa douceur apparente avec toute la grâce d'un Mustang qui revient sur un chemin de terre, transformant ce charme du vieux Hollywood en la première phase d'un rituel de meurtre bizarre et sexualisé. Il ricane toujours de plaisir hoo-boy, alors même qu'il torture des femmes tout au long d'une série de poursuites cinétiques en voiture. Mais le charisme est brillamment inversé lorsque les rôles sont enfin retournés, et le supposé dur à cuire est réduit à un désordre miaulement et ensanglanté. [Clayton Purdom]

Depuis des décennies, Internet se moque de la joyeuse sociopathie de Kevin McCallister de Home Alone , un enfant qui aime passer ses Noëls à monter des chalumeaux, à lancer des briques et à électrocuter joyeusement des escrocs. Le fait est que Macaulay Culkin a bien empoisonné cette comédie il y a 25 ans, quand il s'est engagé pour jouer Henry Evans, la star sans âme de Joseph Ruben's The Good Son . Tout comme Kevin, Henry est un jeune mécaniquement doué avec une apparence de chérubin; la seule différence est qu'il retourne ses arbalètes artisanales et ses plans diaboliques sur sa famille, au lieu d'escrocs maladroits. À l'époque, les critiques ont à juste titre critiqué Culkin pour avoir réduit le mal d'Henry à un peu plus qu'un monotone, un sourire narquois et des efforts occasionnels mal avisés pour faire sonner «Don't fuck with me» effrayant venant d'une voix pré-pubère. Mais avec le recul, le seul vrai péché d'Henry est celui du timing; Si Culkin avait eu quelques années de plus pour obtenir un peu plus de méchanceté à son actif, The Good Son aurait pu être un chef-d'œuvre noirement comique au lieu d'un thriller ridiculement mélodramatique. [William Hughes]

Jim Caviezel échappera-t-il un jour à l'ombre de son rôle le plus vu et le plus apprécié, le messie noblement souffrant de La Passion du Christ de Mel Gibson ? Avec son fantastique fil de détective de voyage dans le temps Déjà Vu , le regretté Tony Scott a trouvé un moyen de ne pas déguiser la couronne d'épines fixée en permanence autour de la tête de l'acteur, mais de lui créer un nouveau contexte. Peu de temps après que The Passion ait battu des records au box-office, Scott a présenté Caviezel comme un terroriste terroriste dérangé qui fait exploser un ferry rempli d'innocents. Tel qu'il est écrit et joué, Carroll Oerstadt est un fanatique vengeur et un prophète autoproclamé. «Satan raisonne comme l'homme», proclame-t-il. «Mais Dieu pense à l'éternité.» Au cours de leur ultime confrontation, le héros ATF du film (Denzel Washington) fait un grand trou dans le complexe divin du méchant: «Vous êtes prêt à sacrifier les autres, mais pas vous-même. C'est une torsion brillante sur la nouvelle association puissante du public avec Caviezel, une qui localise la ligne mince séparant la sainte conviction de la manie. [AA Dowd]

Les opinions sur son héritage présidentiel varient, mais il est généralement admis que Ronald Reagan était un acteur plutôt correct. Pas génial, pas terrible, juste un type affable, okey-doke. Et alors que sa carrière de rédacteur de discours politique décolle, Reagan - qui s'était converti au Parti républicain quelques années auparavant - a décidé d'essayer quelque chose de différent pour sa dernière apparition à l'écran: son seul et unique rôle vilain, en tant que chef de la mafia Jack Browning dans Remake nihiliste de Don Siegel du classique noir de 1946 The Killers . On pourrait s'attendre à ce qu'un tel personnage soit joué avec une intensité brûlante et un panache méchant, mais Reagan le joue d'une manière énervante, son sadisme aux manières douces parfaitement en phase avec la cinématographie plate de Siegel et l'approche blasée de la violence extrême (pour le moment). La question de savoir si le comportement de l'acteur était un choix délibéré ou simplement une question de lui étant hors de sa profondeur est à débattre. Reagan dira plus tard qu'il a regretté d'avoir pris le rôle en raison d'une scène sexuellement chargée où il gifle vicieusement Angie Dickinson au visage; la représentation dans le film d'hommes d'affaires californiens corrompus et amoraux, quelques années seulement avant que Reagan ne se lance dans la politique californienne, est restée sans commentaires. [Katie Rife]

Dans l'adaptation cinématographique du roman Notes On A Scandal de Zoë Heller , Judi Dench joue le rôle de l'enseignante émotionnellement distante Barbara Covett qui manipule secrètement une collègue assiégée (Cate Blanchett) pour qu'elle devienne son amie en utilisant les secrets de la jeune femme contre elle. Une grande partie de l'histoire est racontée du point de vue de Barbara, via des pensées qu'elle écrit dans son journal. C'est une performance délicate, suscitant la sympathie du public pour la triste vie d'une femme seule, tout en révélant à quel point elle peut être cruelle et égoïste. Dench est plus qu'à la hauteur de la tâche, montrant comment le sens traditionnel anglais de la propriété de la classe moyenne définit à la fois la vision du monde de son personnage, l'empêche de demander ce qu'elle veut vraiment et la transforme en monstre. [Noel Murray]

La filmographie de Kevin Costner se lit comme un who's who d'hommes vertueux: joueurs de baseball, joueurs de golf, Robin Hood, Eliot Ness, Wyatt Earp, avatar du pionnier américain, père de Superman. Même quand il jouait un méchant, comme il l’a fait dans A Perfect World de Clint Eastwood , il jouait toujours un bon gars, enfoncé dans une vie de criminalité. Mais tout cela a changé chez M. Brooks , extrêmement étrange , mettant en vedette Costner en tant que fou homicide titulaire. Placide et méthodique, le tueur mène une double vie d'homme d'affaires bien-aimé de Portland, seulement contraint de tuer par son identité, qui est incarnée littéralement ici par un William Hurt lissant. L'incapacité de Costner à décrire de manière convaincante la double nature de Brooks n'est pas la seule source de comédie involontaire du film: il est chargé de sous-intrigues étranges, comme le flic multimillionnaire joué par Demi Moore qui est sur sa piste, ou un tueur en série en herbe a joué avec choquant. sérieux par Dane Cook. Alors que l'intrigue se tord, Costner semble incapable de convoquer l'esprit sombre nécessaire pour jouer le personnage, son visage restant plat alors qu'il tranchait la gorge de Cook avec une pelle. Si rien d'autre, le film nous a donné cette scène. [Clayton Purdom]

Lorsque les comédiens sont jetés dans des rôles de méchants, c'est généralement pour jouer des creeps de sang-froid. Mais la performance de Mo'Nique dans le rôle de Mary, la mère du personnage principal adolescent dans le mélodrame surmaturé de Lee Daniels , Precious , joue sur les chevrons; son personnage est un moteur à réaction de dépit et d'énergie abusive. Mary incarne le sensationnalisme alarmiste de la «reine du bien-être» du décor de l'époque Reagan du film, mais elle est plus hollywoodienne que Harlem: une diva des coulisses qui crie et qui fume à la chaîne qui glisse son bandeau et choisit une perruque pour jouer le rôle de la passionnée matriarche lorsque le travailleur social arrive. Son monologue culminant est le moment pour votre considération du film (cela a fonctionné, remportant un Oscar à Mo'Nique), mais est-ce la confession du personnage ou sa performance d'adieu? [Ignatiy Vishnevetsky]

Comme la plupart des thespians britanniques de formation classique, Patrick Stewart s'est glissé dans quelques rôles de méchants; si vous pouvez jouer Macbeth, vous pouvez appliquer votre regality anglais et votre équilibre théâtral à un heavy hollywoodien - et Stewart l'a fait deux fois en un an, en tant qu'antagonistes de Conspiracy Theory et Masterminds de 1997 . Mais il y avait encore quelque chose de profondément… mal à entendre le jadis (et futur ) Jean-Luc Picard cracher des insultes raciales en tant que néo-nazi de l'arrière-bois dans la chambre verte viscéralement violente de Jeremy Saulnier . En tant que Darcy, propriétaire du bar skinhead où un groupe hardcore en tournée se retrouve enfermé et assiégé, Stewart n'abandonne pas sa signature, presque sa dignité paternelle. Au lieu de cela, il la manie comme une machette, négociant calmement avec ses captifs derrière une porte barricadée, essayant de les attirer vers un certain destin avec son éloquence réconfortante et professeure. Dans la menace terriblement raffinée de sa performance, on peut voir un portrait opportun du mal américain: la haine enrobée de sucre dans une «civilité» souriante. [AA Dowd]

L'un des plus grands acteurs de l'ère noir et blanc, Spencer Tracy se transforme presque sans effort du moraliste Dr Jekyll au diabolique M. Hyde dans l'édition de 1941 du conte de Robert Louis Stevenson. C'était le rôle le moins préféré de Tracy: il est à peu près le seul à Londres sans accent anglais, d'une part, et son moi streetwise semble trop grossier pour jouer le Jekyll. Mais la bienveillance cinématographique légendaire de Tracy (ayant joué à la fois le père Flanagan et Thomas Edison à ce stade de sa carrière) rend sa monstruosité d'autant plus brutale, même si son Hyde peut être impulsivement hédoniste et bestial. Pourtant, le film aurait pu être encore meilleur en utilisant les propres idées de Tracy, comme faire transformer Jekyll en Hyde par la drogue et l'alcool, ou demander à Katharine Hepburn, une actrice qu'il n'avait même pas encore rencontrée, de jouer à la fois les stéréotypes «bons» et «mauvais». filles avec lesquelles Jekyll / Hyde s'implique - personnifiant le thème selon lequel nous avons tous des côtés bienveillants et malveillants. [Gwen Ihnat]

Même en ignorant ses rencontres avec un certain fou masqué et obsédé par les vacances, Jamie Lee Curtis a été beaucoup terrorisé à l'écran. Avec Mother's Boys , la reine des cris a finalement réussi à terroriser elle-même. Un de ces thrillers «érotiques» yuppies-en-péril qui faisaient fureur dans les années 90 (Curtis en a fait un autre, Blue Steel de Kathryn Bigelow , quelques années plus tôt, même si elle était toujours traquée là-bas), cela à juste titre oublié, vaguement potboiler misogyne ne relie pas tellement la star d' Halloween à son intérieur Michael Myers que de la laisser faire de son mieux Glenn Close en tant que parent absent pour récupérer la famille qu'elle a abandonnée. Seule une scène de la méchante manipulant les hormones en plein essor de son propre fils préadolescent est vraiment sous la peau, mais il y a encore du plaisir à avoir dans la façon dont Curtis résout son charisme chaleureux habituel pour une obsession fragile. [AA Dowd]

E ternellement agité, Robin Williams a passé 2002 à prendre la hache à des décennies d'une image de gentilhomme soigneusement cultivée, mettant en vedette dans une paire de films qui offraient au public un regard sinistre sur une capacité d'obscurité à laquelle il avait à peine fait allusion auparavant. Des deux, Walter Finch d’ Insomnia est la moindre création; malgré les meilleurs efforts de Christopher Nolan, l'écrivain d'horreur meurtrier équivaut rarement à beaucoup plus que «Robin Williams disant des trucs de tueur en série», qui est le même gadget, certes fascinant, qui a alimenté un certain nombre d' épisodes de cascades de Law & Order , y compris celui de Williams. Sy Parrish de One Hour Photo est une bête bien plus fascinante. Ses cheveux blonds vaporeux et ses lunettes obscurcissant le visage menacent de friser le cliché de «l'acteur se transforme», mais c'est le besoin toujours présent et béant de Williams d'être aimé - tourné vers l'intérieur et caillé pour une fois - qui en fait un si reconnaissable et tragique. monstre. [William Hughes]

Adam Driver est peut-être l'un des acteurs les plus doués de sa génération, mais l'attrait de masse de Star Wars a fait en sorte qu'un pourcentage important de cinéphiles ne le connaisse que comme le morose Kylo Ren, l'antagoniste le plus complexe de la saga. Mais alors que le grand et dégoûtant régulier de Noah Baumbach peut être tout aussi mémorable dans les petits et grands rôles, rien dans sa carrière cinématographique en dehors de The Force Awakens et The Last Jedi ne crie «méchant de l'espace». Il est le poète-cols bleus de Paterson , le bon flic de BlacKkKlansman , la basse de cow-boy voler scène à son compatriote Star Wars casting membre Oscar chanteur de folk-Isaac court d' argent Inside Llewyn Davis . Mais il apporte une relatabilité improbable au rôle de Kylo Ren, jouant l'aspirant frustré de Dark Vador comme un personnage tragique; dans une série qui ne cesse de parler du pouvoir corrompant du côté obscur, le tour de Kylo au mal est le seul qui soit crédible. Star Wars regorge de rôles emblématiques, mais celui de Driver est peut-être le plus convaincant. [Ignatiy Vishnevetsky]

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