20 débuts de réalisateurs d'horreur qui sont devenus des classiques du genre

L'homme en osier (1973)

Tout au long de l'histoire du cinéma, l'horreur a été un genre de prédilection pour de nombreux réalisateurs novices. Dans l'horreur, vous pouvez faire une énorme impression avec un petit budget , et si vous pouvez trouver un public, la renommée du culte peut mener à une carrière durable . Tous les premiers films d'horreur ne créent pas de légende, bien sûr, mais les 20 de cette liste l'ont fait.

Une note importante avant de creuser: nous avons récemment fait une liste de premiers films de science-fiction qui comprenaient les classiques d'horreur de science-fiction George A. Romero's Night of the Living Dead, Stuart Gordon's Re-Animator et Peter Jackson's Bad Taste , donc c'est pourquoi nous ne les incluons pas ici. Tous les trois sont essentiels à la visualisation, peu importe où vous les classez, bien sûr.

Le maître de l'horreur italien Mario Bava a commencé sa carrière en tant que directeur de la photographie et était déjà un vétéran de l'industrie - il avait accumulé quelques crédits de réalisateur non officiels lorsqu'il avait été embauché pour terminer des films commencés par d'autres, comme I Vampiri en 1957 -quand il a fait ses débuts officiels. Cette richesse d'expérience est évidente dans Black Sunday (également connu sous le nom de The Mask of Satan ), le conte gothique d'une princesse moldave qui est hantée par son ancêtre sorcier et sosie. Sorti en 1960, c'était un succès critique et commercial, et il résiste aujourd'hui à la force de son histoire, de superbeslentilles en noir et blanc et de certains effets spéciaux primitifs mais toujours efficaces. Sans parler d'une double performance de la frappante Barbara Steele, qui joue à la fois la jeune fille innocente et son sosie maléfique de retour de la tombe.

Sept ans avant que Suspiria ne fasse de lui une légende de l'horreur, Dario Argento a fait ses débuts avec ce giallo influent de 1970 sur un écrivain américain vivant en Italie dont la vie est bouleversée après avoir été témoin d'une tentative de meurtre. Argento lui-même est célèbre pour le tueur dans des scènes où seuls les gants en cuir noir du maniaque peuvent être vus (apparemment, il était juste plus facile pour lui d'obtenir le coup qu'il voulait s'il le faisait lui-même), et il y a des gros frappeurs qui l'aident. , dont le directeur de la photographie Vittorio Storaro et le compositeur Ennio Morricone. L'oiseau au plumage de cristal a eu une influence considérable sur le genre giallo alors émergent, contenant des éléments de style et d'histoire qui ont fait écho tout au long de la carrière d'Argento ainsi que des travaux d'autres cinéastes.

Plus d'une décennie avant de rêver d' un tueur qui traquait les adolescents d'Elm Street dans leurs rêves , Wes Craven a écrit, réalisé et monté ce riff de 1972 sur le film de viol-vengeance d'Ingmar Bergman de 1960, The Virgin Spring , créant une fable dure enracinée dans le monde réel. peurs. Les adolescents Mari et Phyllis se rendent de leur ville rurale à un concert de rock dans la grande ville, mais avant même de se rendre au spectacle, ils rencontrent un gang de criminels en fuite et leurs associés tout aussi sordides. Cela ne se termine bien pour personne, y compris les méchants, qui rencontrent leurs propres fins aux mains des parents en deuil et en colère de Mari.

Il y a quelque chose à propos de Last House on the Left qui vous fait vous sentir crasseux pendant que vous le regardez - la violence extrême est certainement un facteur, mais aussi la construction du monde effrayée que Craven insuffle dans chaque image. La partition folk-rock effrayante (partiellement contribué par David Hess, qui est fantastique en tant que «Krug», le méchant principal) est également une bonne idée.

The Wicker Man a eu beaucoup de paroles quand Midsommar est sorti l'année dernière , et bien qu'il n'ait pas autant d'éclaboussures viscérales que cette récente version, c'est toujours le grand-père de l'horreur folk grotesque. Robin Hardy n'a réalisé qu'une poignée de films tout au long de sa carrière, et cette sortie de 1973 est de loin son œuvre la plus connue, peut-être parce qu'il n'y a tout simplement pas d'autre film comme celui-ci (et cela inclut le remake de Nicolas Cage qui a engendré un million de mèmes, mais il vaut mieux ne plus jamais parler).

L'histoire est simple - après avoir reçu un conseil sur une fille disparue, un policier étouffant (Edward Woodward) se rend sur une île écossaise éloignée, où la communauté païenne locale lui fait bientôt peur - mais il y a tellement de texture dans son récit : la conception de la production vivante (qui savait que les masques d'animaux pouvaient être si sinistres ?), la musique traditionnelle mélancolique et la performance imposante de Christopher Lee en tant que seigneur habillé de façon vivante dans le château de l'île.

Tous les éléments de génie qui transformeraient David Lynch en son propre genre, et même son propre adjectif (peu de descripteurs sont plus évocateurs que «Lynchian» en matière d'art et de cinéma), sont exposés dans ce classique expérimental de 1977. Eraserhead n'est pas l' horreur au sens traditionnel du terme - mais quand Lynch fait-il quelque chose au sens traditionnel? Rendu en noir et blanc magnifique, avec des visuels, de la musique et du son, et des performances obsédantes (la star Jack Nance, bien sûr, est revenue dans Blue Velvet de Lynch , Wild At Heart , et le plus célèbre sous le nom de Pete Martell dans Twin Peaks ), Eraserhead en fait un plongeon peu orthodoxe de l'homme dans la paternité, avec une torsion. L'enfant en question est un bébé monstre qui coule, et le reste du monde de notre malheureux héros patine très délicatement entre déprimant réel et merveilleusement surréaliste. Chantez: "Au paradis, tout va bien ..."

Sam Raimi ,Bruce Campbell et le reste de l'équipe et du casting hétéroclite ont marqué l'histoire de l'horreur avec ce classique flatteur en 1981, et The Evil Dead est depuis lors l'un des films d'horreur les plus influents de tous les temps. La performance charismatique de Campbell en tant queAsh Williams - un étudiant qui essaie juste de passer un bon week-end avec sa petite amie, sa sœur et ses amis, mais qui finit par devoir tous les combattre lorsqu'ils se transforment en démons - a créé un personnage qui a duré des décennies, et les effets spéciaux jaillissants feront toujours ramper votre peau près de 40 ans plus tard. Raimi, bien sûr,est devenu un réalisateur de la liste A , mais vous pouvez retracer sa créativité et son talent aux premiers plans de ce premier long métrage, lorsque ce mouvement de caméra à basse vitesse qui deviendrait unemarque de commerce de lasérie Evil Dead  télégraphie imminent danger et destin avant même que l'histoire ne commence.

La longue série de titres estimés de Tony Scott - y compris Top Gun , True Romance et Crimson Tide - a commencé en 1983 avec The Hunger , l'histoire de deux vampires incroyablement chics (Catherine Deneuve, David Bowie ) dont la vie glamour gothique est bouleversée quand il commence soudainement vieillir rapidement, un effet secondaire redouté de sa «transformation» des siècles auparavant. Entre la séduisante scientifique de Susan Sarandon , une experte du vieillissement dont les recherches sur les singes ne l'ont absolument pas préparée à ce qu'elle trouve au manoir des vampires à Manhattan. The Hunger est un style à 90%, une histoire à 10%, et c'est la principale raison pour laquelle il est devenu un culte culte au fil des ans: les vampires sexy sont toujours à la mode, et ce sont peut-être les vampires les plus sexy de l'histoire du cinéma.

Tom Holland - pas l'acteur de Spider-Man , bien évidemment - est aimé par les fans d'horreur pour des films comme l'original Child's Play ainsi que ses débuts en 1985, qu'il a également écrit. Charley (William Ragsdale), un lycéen qui adore les films de monstres classiques, commence à soupçonner son voisin suave, Jerry ( Chris Sarandon ), est un vampire, une intuition qui se révèle bientôt correcte à 100% même si personne ne croit l'enfant pour des raisons évidentes.

Les amis de Charley recrutent un animateur d'horreur télévisé (Roddy McDowall) qui se présente comme un tueur de vampires pour aider leur copain à faire face à la réalité, mais bien sûr, la réalité est que Jerry est une créature meurtrière de la nuit, et tout le monde est en fait en grave danger. Fright Night est l'exemple parfait d'un film qui se moque avec amour d'un genre particulier tout en restant une entrée sérieuse dans ce même genre, et il a légitimement mérité sa place sur n'importe quelle liste de grands films de vampire de tous les temps.

Nasty petits étrangers envahissent une villeKansas en 1986 caractéristique de créature de Stephen Herek, qui introduit une paire de flashy, chasseurs de primes métamorphe et certains habitantsressources (avec un casting dont le Orville Scott Grimes de Dee Wallace, M. Emmet Walsh, et Billy Zane, bien que le temps d'écran de ce dernier soit assez limité) pour faire avancer l'action maladroite à un rythme soutenu. Les téléspectateurs occasionnels ont peut-êtrequalifié Critters derechapé de Gremlins dans la journée, mais la franchise a depuis engendréplusieurs suites (y compris Critters Attack de l'année dernière ! ) Et une série en streaming sur Shudder, suggérant qu'il y a beaucoup de place pour tous les ricanements. , des monstres espiègles de la taille d'une pinte déterminés à détruire autant de vies humaines que possible. Et vraiment, Critters est juste un bon moment, mettant en vedette certaines des marionnettes les plus dégoûtantes jamais mises à l'écran.

Les débuts de John McNaughton en 1986 sont vaguement basés sur la vie de Henry Lee Lucas, qui est maintenant surtout connu pour une série de fausses confessions qui remettaient en question son statut de longue date en tant que l'un des tueurs en série les plus prolifiques d'Amérique. Mais même savoir que Henry: Portrait of a Serial Killer est à 95% de la fiction ne diminue pas son impact lorsque vous le regardez. C'est un film sinistre et graveleux qui ressemble parfois à un documentaire; C'est grâce à une performance intense de Michael Rooker (faisant ses débuts au cinéma) en tant que personnage principal, mais aussi au style de tournage dépouillé de McNaughton, avec une utilisation très efficace des séquences de caméscope qui rend certaines des scènes les plus brutales du film encore plus comme si vous regardiez quelque chose d'illicite et de dangereux.

Clive Barker était déjà un écrivain et artiste d'horreur acclamé lorsqu'il a fait ses débuts en tant que réalisateur avec Hellraiser de 1987 , un film qu'il a adapté de sa propre nouvelle The Hellbound Heart. Hellraiser - qui a inspiré neuf suites à ce jour, plusieurs séries de bandes dessinées, peut-être une série télévisée et un redémarrage en cours d'élaboration - reflète la vision créative distinctive de Barker et sa mythologie complexe tout en étant exceptionnellement dérangeant. Il a déclenché de façon mémorable une nouvelle icône d'horreur dans le méchant macabre principal du film, « Pinhead » (joué par Doug Bradley). Il y a aussi des éléments d'horreur plus familiers (si vous trouvez une mystérieuse boîte de puzzle dans un magasin d'antiquités, n'essayez pas de l'ouvrir) pour équilibrer les choses plus énervées, y compris, mais sans s'y limiter, le sadomasochisme et une horreur corporelle très extrême.

Bien avant que Tremors ne devienne un phénomène de franchise directe à la vidéo (il y a un septième film qui sortira plus tard cette année, et une émission de télévision a presque été diffusée), c'était juste une comédie d'horreur décousue de 1990 qui rendait hommage au monstre classique. films. Dans la minuscule Perfection, au Nevada, les bricoleurs Earl (Fred Ward) et Valentine ( Kevin Bacon ) rêvent de recommencer dans la ville voisine légèrement plus grande, mais leur grand adieu est suspendu lorsque des «Graboids» géants et affamés ressemblent à des vers émerger de sous le désert.

Tout le monde (y compris un couple survivaliste joué par Michael Gross et Reba McEntire, et un commerçant joué par Big Trouble dans Little China 's Victor Wong) se réunit pour combattre les envahisseurs, qui se montrent tenaces en plus d'être dégoûtants et tentaculaires. Le réalisateur Ron Underwood a continué à faire des films comme City Slickers et Mighty Joe Young , qui ont tous deux un ADN de Tremors . Mais seul Tremors atteint cet équilibre culte-film entre schlock, choc et hilarité, toutes les personnes impliquées étant clairement conscientes du genre de film qu'elles tournaient et s'amusant avec lui.

Un type nommé Guillermo del Toro a fait ses débuts avecce conte de1993 d'un antiquaire vieillissant qui tombe sur un bel appareil mécanisé (mais menaçant) qui goûte son sang et commence à le transformer en vampire. Bien que Cronos ne soit pas aussi connu que les œuvres ultérieures de del Toro - Hellboy et Pan's Labyrinth sont ce qui l'a vraiment cimenté comme un nom familier - les thèmes et les éléments qui ont continué à résonner tout au long de sa carrière sont déjà en place, comme l'utilisation de imagerie luxuriante et macabre et maquillage d'effets spéciaux, et la présence ducollaborateur fréquent Ron Perlman , qui fait une figure imposante en tant qu'antagoniste.

Kasi Lemmons - reconnaissable aux fans d'horreur comme la meilleure amie de Jodie Fosters dans Le silence des agneaux et la meilleure amie de Virginia Madsen à Candyman - s'est libérée de son statut de deuxième banane avec ses débuts de réalisatrice en 1997 (sa dernière sortie: le biopic 2019 Harriet , avec une Cynthia Erivo nominée aux Oscars ). Jurnee Smollett (maintenant Jurnee Smollett-Bell, récemment vue jouer Black Canary dans Birds of Prey ) joue le rôle du personnage principal, une adolescente précoce dont la découverte de son père flamboyant (Samuel L.Jackson) jette son monde dans le chaos, avec un peu de magie des femmes (Debbi Morgan en tant que tante intuitive d'Eve; Diahann Carroll en tant que voisine diseuse de bonne aventure / pourvoyeuse de malédictions) aidant Eve à régler ses émotions et, éventuellement, ses propres cadeaux. Eve's Bayou , que Lemmons a également écrit, est vraiment plus un conte surnaturel de passage à l'âge adulte qu'un film d'horreur, mais il y a certainement beaucoup de peur qui se cache dans son décor évocateur de la Louisiane des années 1960.

Ce n'était pas le tout premier film d'horreur à images trouvées , mais l'histoire à très petit budget de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez en 1999 de trois étudiants cinéastes qui se perdent dans les bois en essayant de retrouver une légende locale a défini le genre et s'est mis en route un raz-de-marée d'imitateurs. Les images trouvées sont devenues si courantes dans les années qui ont suivi The Blair Witch Project qu'il est facile de la considérer comme rien de plus qu'un gadget de cinéma, en particulier avec le problème inévitable de «Pourquoi ces gens qui hurlent et courent continueraient-ils à tenir cette caméra? " Dans Blair Witch , au moins, la configuration des enfants déterminés à faire un documentaire a aidé à atténuer ce problème, et compte tenu de la peur effrayante du film (et est toujours), est-ce que quelqu'un se souciait vraiment de ces aspects techniques? Après une accumulation qui vous fait vous sentir aussi désespéré et frustré que les personnages fatigués, froids, affamés et terrifiés, la scène finale reste l'une des fins les plus parfaitement exécutées de l'horreur. (Jeu de mots volontaire.)

À ne pas confondre avec le Cabin Fever 2016 (le résultat d'une décision déroutante de refaire un film sorti en 2002), le OG Cabin Fever et traduit en une célébrité du jour au lendemain pour le réalisateur Eli Roth , et le statut de film de minuit instantané pour son Evil mort -inspired shriekfest. Le modèle est bien usé - des enfants excités se dirigent vers les bois pour une retraite arrosée , rencontrant des habitants hostiles en cours de route - mais la menace est quelque chose de nouvellement terrible: une horrible infection qui déchire la peau qui entraîne une mort horrible pour tous ceux qui la contractent . Les effets spéciaux provoquant des vomissements de Cabin Fever sont assortis étape par étape par son sens de l’humour malade, un ingrédient crucial qui le place au-dessus de la simple extravagance dégoûtante.

Avant The Conjuring   films, avant Insidious , avant Furious 7 et avant Aquaman , James Wan a aidé à lancer un mastodonte d'horreur avec Saw , sa première entreprise de réalisation en solo (auparavant, il avait co-réalisé le film australien Stygian avec Shannon Young). La franchise Saw est toujours en plein essor - Spiral , avec et produit par Chris Rock, devait sortir le mois prochain mais attend maintenant une date de sortie post-coronavirus - mais tout remonte à cette entrée simplifiée de 2004 de Wan et de l'écrivain Leigh. Whannell ( homme invisible ).

Cary Elwes et Danny Glover sont les visages familiers trompeusement rassurants dans un film qui refuse de jouer selon les règles de l'horreur conventionnelle, mettant en vedette un méchant - le mystérieux Jigsaw - qui est lui-même très basé sur des règles. Ce qui aurait pu être juste une course à sensations fortes sans relâche oblige aussi intelligemment ses personnages à prendre des décisions angoissantes sur ce qu'ils apprécient le plus, et que les dingues «se sont fait prendre! la fin n'est toujours qu'un tueur à chaque fois.

Qu'est-ce qui est pire - être pris au piège dans la Nouvelle-Angleterre rurale avec vos parents puritains qui vous traitent comme un serviteur sous contrat, ou être tourmenté par une sorcière et finalement être accusé de sorcellerie vous-même? Une adolescente (une superbe Anya Taylor-Joy) se débat avec les dures réalités de la vie rurale du XVIIe siècle dans le conte de fées sombre de Robert Eggers en 2015, dont certains se sentent assez modernes (ses frères et sœurs plus jeunes, par exemple), mais d'autres, comme la corvée des tâches agricoles ou la menace d'être expédié travailler dans la maison d'un voisin éloigné, sont très fréquents. L'engagement d'Eggers à capturer la vie d'époque est évident dans les moindres détails du film, ce qui rend l'horreur croissante tellement plus efficace - tout comme les touches inspirées comme Black Phillip la chèvre , qui, pardon à Taylor-Joy, est la véritable star de la photo.

Get Out a été un succès critique et commercial en 2017 pour le scénariste-réalisateurJordan Peele , dont les nombreuses récompenses pour le film comprenaient un Oscar du meilleur scénario original. Pas mal pour un gars que la plupart des gens connaissaient principalement deKey & Peele, sa série Comedy Central - bien quesi vous passiez vraiment au peigne fin certains des croquis , vous pourriez voir un fan d'horreur intelligent et tordu se cacher derrière les rires. Maintenant, bien sûr, Peele est un scénariste et producteur très demandé ( Candyman deNia DaCosta ne peut pas arriver assez tôt, et Lovecraft Country deHBO non plus ), et a encore élargi sa filmographie avec le conte de doppelgänger de 2019, nous .

Un nouveau talent majeur fait irruption sur la scène avec Hereditary de 2018 , le premier long métrage du scénariste-réalisateur Ari Aster . Un travail de caméra précis, une conception de production minutieusement détaillée - y compris de minuscules dioramas réalistes créés par le personnage principal, un artiste interprété par Toni Collette (dans une performance formidable et intrépide) - et un scénario qui retrace l'effondrement d'une famille face à une série macabre de tragédies tout s'ajoute à un film avec la capacité de pénétrer la peau du spectateur d'horreur le plus blasé . Héréditaire est effrayant, mais c'est aussi déconcertant , prenant des rebondissements qui ne sont pas tous surnaturels mais qui vous hanteront certainement de la même manière. Aster a continué à faire Midsommar l'année dernière, et il va sans dire que nous braverions probablement une grange en feu pour voir ce qu'il a à venir.

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