Los mejores directores de cine estadounidenses, desde Robert Altman hasta Robert Zemeckis

Stanley Kubrick en el set de 2001: A Space Odyssey (Foto: Getty Images)

AV To Z se trata de decisiones difíciles . ¿Cómo se elige entre Sleater-Kinney y Spoon ? ¿Cuál es el factor decisivo en un enfrentamiento entre Ren y Stimpy y Rocky y Bullwinkle?? Se vuelve agonizante, amigos. Pero pocos de los juicios necesarios para esta función inspiraron más retorcimientos de manos, tirones de cabello y un acalorado debate que la selección de los mejores directores de cine de Estados Unidos. Los queridos del estudio se enfrentaron a los pioneros de la vanguardia. Los gigantes de la era del cine mudo se enfrentaron cara a cara con los maestros modernos. Y letras como C y S produjeron no menos de seis o siete candidatos viables, el personal dividió diferentes líneas de lealtad. Afortunadamente, después de semanas —de acuerdo, tal vez sólo una hora o dos— de discusión, surgimos con la siguiente lista, un alfabeto de autores altamente científico e indiscutiblemente definitivo. Fue un trabajo duro, pero lo logramos. No es necesario revisar nuestras matemáticas.

Antes de saltar a la lista, y luego bajar a la sección de comentarios para recordarnos de algún genio imponente que ignoramos idiotamente, considere algunas de las reglas básicas que establecimos. Para reducir el campo, excluimos a los documentalistas de la competencia, ahorrándonos la molestia, por ejemplo, de incluir a Morris y Maysles en la ya abarrotada papeleta M. Y aunque no era necesario haber nacido en los Estados Unidos para que lo consideráramos un director "estadounidense" (de ahí Billy Wilder), tenía que hacer casi todo su trabajo en Estados Unidos o para un estudio estadounidense (por lo tanto, no Hitchcock, quien tuvo una próspera carrera en el Reino Unido antes de mudarse a Hollywood). ¿Extrañamos a un maestro? Sabes dónde informarnos.

Altman rara vez era llamativo. Le falta la fuerza de un John Ford, o el "¿puedes superar esto?" deslumbramiento de un DW Griffith. Lo que hizo, de manera constante y segura, fue abrirse camino a través de casi todos los géneros del cine, remodelando y deconstruyendo las narrativas tradicionales de Hollywood en algo más abierto, más desafiante, más… al estilo Altman. Era un estilista visual superior, solo mire lo que el sol cegador le hace al destartalado motel de 3 Women , o el aspecto de "postal vieja" de The Long Goodbye 's Los Ángeles, pero su fascinación siempre se quedó con la gente que poblaba estos locales. Los conjuntos en expansión y los diálogos superpuestos pueden ser los sellos distintivos estereotipados de una película de Altman, pero su tratamiento de cada personaje con un cuidado profundo y permanente (incluso el mordisco satírico de algo como Nashville no reduce a sus habitantes) atestigua su preocupación incluso con el los roles más pequeños. Dijo que todo su trabajo era esencialmente una película larga, y la forma en que su cámara se desplaza inquieta por una habitación, como si esperara pacientemente un momento que le dé significado a su presencia, es un argumento convincente para la afirmación. Pero su acólito Paul Thomas Anderson lo dijo mejor al describir cómo Altman filmaba la última toma de A Prairie Home Companion : "Recuerdo estar sentado allí pensando: 'Joder, hazlo de nuevo, hazlo ... haz más, haz más'". Altman, nunca puede haber suficiente. [Alex McCown]

PT Anderson probablemente admitiría que Robert Altman merece la medalla de oro aquí, considerando la gran influencia de Altman en sus propias películas en expansión como There Will Be Blood y Magnolia . Pero Anderson todavía tiene que hacer una película mala (o incluso dudosa); si continúa esa racha, el alumno superará al maestro en algún momento. [Josh Modell]

Wes Anderson, el ejemplo perfecto de un cineasta que se inclina en lugar de "madurar" fuera de su estilo distintivo, ha poblado tan completamente su mundo cuidadosamente organizado que puede acomodar cualquier cosa, desde un romance infantil hasta una farsa loca y tragedias de la era de la Segunda Guerra Mundial, a veces dentro del mismo película. [Jesse Hassenger]

Si el cine de vanguardia tiene un nombre familiar, probablemente sea Stan Brakhage: dos extensos sets de Criterion, decenas de fanáticos famosos (como Martin Scorsese) e innumerables proyecciones de "Mothlight" en escuelas de cine han convertido a "Brakhage" en sinónimo de "película experimental . " ¿Y por qué no debería estarlo? Pocos directores han hecho más para liberar al medio de los rígidos grilletes de la narrativa. Brakhage hizo cerca de 400 películas en medio siglo, sobre temas tan variados como la amoralidad de la guerra de Vietnam, el funcionamiento interno de una morgue de Pittsburgh y la forma en que la luz se refracta a través de un cenicero de vidrio. Sus películas varían en duración desde unos pocos segundos hasta varias horas. Muchos guardan silencio. Casi todos carecen de trama. Literalizando la idea de la película como lienzo, el director jugó con las propiedades mismas del celuloide: raspando, pintando e incluso pegando alas de insectos en los fotogramas individuales. Su gran interés no fue lo que vemos, sino cómo . Oportunamente, su legado se basa en ayudar a reprogramar los ojos de la audiencia: Aclimatarse al aluvión expresivo de imágenes de Brakhage es aprender a uno mismo una nueva forma de mirar. [AA Dowd]

La amplitud de la filmografía de Kathryn Bigelow es enormemente impresionante, desde el clásico de culto vampírico occidental Near Dark hasta la ganadora del Oscar The Hurt Locker y Zero Dark Thirt y . (¡Además, Point Break !) En cada uno, ella de alguna manera equilibra un ojo despiadado para la acción tensa y la atención al tipo de actuaciones que solo los mejores directores pueden obtener de sus actores. [Josh Modell]

Chaplin nació en Inglaterra, pero fue en Estados Unidos donde se convirtió en una estrella. Un perfeccionista y un improvisador compulsivo a la vez, combinó el genio del cómic con un sentido incomparable de cómo y por qué los espectadores se relacionan con las cosas que ven en la pantalla. Pasó la primera parte de su carrera refinando su personaje icónico en la pantalla, el vagabundo, con su bombín, bigote y pantalones holgados, y la última parte lo deconstruyó. Intensamente prolífico en esos primeros años, el actor-director se desaceleró a mediados de los años 20; Cada nueva película de Chaplin se convirtió en un evento cultural importante y, a pesar de la transición al sonido, siguió siendo enormemente popular, mientras desarrollaba obras maestras como City Lights , Modern Times y The Great Dictator . Su obra tardía —la mayor parte realizada en Europa, después de que su política lo convirtiera en persona non grata en Estados Unidos— era a la vez sensible y cáustica, compuesta de obras profundamente personales como Monsieur Verdoux y A King In New York . Él definió lo que podría significar la comedia en pantalla y cómo podría afectar a las personas. Diablos, incluso Una condesa de Hong Kong , su única característica de color, tiene su parte de momentos brillantes. [Ignatiy Vishnevetsky]

Aunque sus películas anteriores atribuyen únicamente a Joel como director, los hermanos Coen han trabajado en conjunto en una serie asombrosa de películas a menudo brillantes y siempre distintivas; incluso en su punto más débil, no se puede confundir su trabajo con el de los demás. Aunque son capaces de orquestar tomas salvajes y memorables (y de componer diálogos con un obvio amor por el lenguaje), los Coen también pueden utilizar una moderación y una sutileza desgarradoras, lo que los convierte, esencialmente, en los chiflados más audaces del mundo. [Jesse Hassenger]

Un maestro estilista de género, John Carpenter crea terror al borde de su asiento ( Halloween ), horror corporal grotesco ( The Thing ), fantasía colorida de artes marciales ( Big Trouble In Little China ) y sátira de ciencia ficción ( They Live ) todos lucen igualmente sin esfuerzo. También tiene una visión distinta de la banda sonora de la película, el área donde su influencia se siente quizás más profundamente. [Katie Rife]

Para apreciar plenamente a Maya Deren como cineasta, también hay que entenderla como bailarina, poeta y mística, todas las disciplinas que informaron su trabajo cinematográfico. Trabajando completamente fuera del sistema de filmación comercial, Deren combinó el ritmo, el movimiento y la repetición con un enfoque de edición influenciado por Eisenstein para capturar gestos físicos simples que insinúan verdades psicológicas más profundas. Su obra maestra, Meshes Of The Afternoon de 1943 , es notable por sus imágenes surrealistas y oníricas, que incluyen una duplicación y una triplicación de sí misma dentro de la película, típica del deseo de Deren de utilizar el medio para expresar la rica complejidad de su propia vida interior. El lugar de Deren como madrina de la vanguardia estadounidense es seguro, pero merece llegar a un público más amplio, no solo como una cineasta poco común en el mundo del cine experimental de mediados de siglo, dominado por hombres, sino como una cuya íntima y personal, sin embargo, el lenguaje simbólico universalmente identificable la convierte en una de las cineastas más accesibles de ese movimiento. [Katie Rife]

Es fácil descartar a Brian De Palma como un pretendiente al trono de Hitchcock, pero como dice el cliché, los buenos artistas piden prestado y los grandes artistas roban. El uso magistral del suspenso de De Palma ocupa un lugar destacado en Body Double , Blow Out y Dressed To Kill , pero es su obra de los 70, Phantom Of The Paradise, Carrie, la que muestra a un director verdaderamente innovador que puede hilar historias extrañas con precisión mientras dibuja las mejores actuaciones posibles de sus actores. [Mike Vanderbilt]

Habiéndose establecido ya como un ícono de la robustez neo-occidental y la frescura a través de sus colaboraciones con Sergio Leone, Clint Eastwood comenzó, con Play Misty For Me de 1971 , a tomar el control de su personalidad en la pantalla grande al dedicarse a la dirección. Fue una transición astuta, ya que su trabajo posterior detrás de la cámara demostró que era mucho más que El hombre sin nombre. Ya sea examinando y deconstruyendo su propia personalidad en la pantalla grande ( Bronco Billy , Unforgiven , Gran Torino ) o investigando su tema favorito, las consecuencias de la violencia, en proyectos en los que permanece solo detrás de la cámara (como su éxito de taquilla más reciente, American Sniper ), Eastwood exhibe un dominio del medio de un clasicista. Empleando una fórmula meticulosamente de la vieja escuela de composiciones evocadoras y estructura esbelta, continúa animando una amplia gama de proyectos con su estética ejecutada de manera eficiente, desde producciones de prestigio ( Mystic River ) hasta comedias ( Honkeytonk Man ) y oaters ( The Outlaw Josey Wales ) a musicales ( Jersey Boys ) a dramas de guerra ( Letters From Iwo Jima ). [Nick Schager]

Un favorito de la crítica que atravesó tiempos difíciles a finales de los 80, Edwards tenía una reputación bien merecida como maestro de la comedia de payasadas: los pratfalls abundan en The Pink Panther y The Party , y hay algunos chistes geniales en 10 . Pero hacia el comienzo de su carrera, también trajo algunas características dramáticas excelentes, incluidas dos en 1962: los desgarradores Days Of Wine And Roses , con Jack Lemmon y Lee Remick como una pareja alcohólica, y Experiment In Terror, con Remick interpretando un cajero de banco manipulado por un asesino. [Adam Nayman]

Pocos directores son más sinónimo del western estadounidense (o del cine estadounidense, punto) que John Ford, que sigue siendo el único cineasta en ganar cuatro premios de la Academia al Mejor Director. Con una carrera que lo vio dirigir un número asombroso de películas (más de 140, incluida una colección considerable de películas mudas), Ford fue un pionero en muchas ocasiones, sobre todo por su papel principal en la transición a las películas sonoras. También ayudó a popularizar el rodaje en exteriores y los planos largos, el último de los cuales se convirtió en su sello estilístico, enmarcando figuras solitarias en y contra paisajes imponentes. Mejor conocido por colaborar con una sociedad anónima de actores (incluidos John Wayne, Ward Bond, Ben Johnson y Harry Carey Jr.), Ford hizo más clásicos que cualquiera, incluidos (por nombrar solo algunos) The Grapes Of Wrath , Diligencia , el joven Sr. Lincoln , Qué verde era mi valle, Mi querida Clementine , Río Grande, El hombre tranquilo , Los buscadores y El hombre que mató a Liberty Valence . En el monte Rushmore de los directores estadounidenses, obtiene un lugar privilegiado. [Nick Schager]

David Wark Griffith, arquitecto de la película estadounidense, creó un idioma moderno mientras intentaba seguir las tradiciones narrativas del siglo XIX. Tomó el alcance y la ambición de la novela serializada y el drama del teatro popular y lo convirtió en un lenguaje visual. Para cuando Griffith hizo Birth Of A Nation, una fantasía de victimización confederada que sigue siendo la piedra angular del cine estadounidense, ya había dirigido cientos de cortometrajes, que lo encontraron innovando en género y estilo. Desde one-carretes ( The Musketeers Of Pig Alley , A Corner In Wheat ) y dramáticas épicas históricas ( Intolerance , Orphans Of The Storm ) hasta sublimes piezas rurales ( True Heart Susie ) y experimentos tardíos en drama crudo ( The Struggle ), su vasta y variada filmografía representa casi todo lo que pueden hacer las películas. Sentimentalista y reaccionario que podría ser audazmente radical en lo que respecta al estilo, es a la vez una de las grandes fuerzas creativas de la historia del cine estadounidense y una de las más problemáticas. [Ignatiy Vishnevetsky]

Gray podría ser el mayor humanista vivo del cine estadounidense. En películas como The Immigrant y Two Lovers , se centra en los sentimientos humanos más íntimos, con resultados que nunca parecen menos que operativamente grandes y ambiciosos. No es una coincidencia que también sea posiblemente el más subestimado: como toda emoción humana real, sus películas vuelan por debajo del radar. [Alex McCown]

Hay algo que decir por hacer una cosa y hacerlo bien. Pero eso es menos impresionante en comparación con un director como Howard Hawks, que no solo podía hacer una película en casi cualquier género, sino que podía hacerlo mejor que casi cualquier otro. Hawks, uno de los verdaderos gigantes de la época dorada de Hollywood, dirigió clásicos de todos los tiempos del western ( Río Bravo ), comedia loca ( Bringing Up Baby, His Girl Friday ), noir ( The Big Sleep ), musical ( Gentlemen Prefer Blondes ) y géneros de gánsteres ( Scarface ), todos contados de una manera engañosamente sencilla que desmentía el alto nivel de artesanía en su trabajo. Las películas de Hawks invirtieron sutilmente las normas sociales de la época, sobre todo en la forma de la "mujer hawksiana", una figura obstinadamente independiente y de lengua afilada que es más que igual a sus homólogos masculinos. Quizás debido a su mano sutil como director, Hawks no fue reconocido como un gran talento hasta más adelante en su carrera. Pero su influencia se puede ver en el trabajo de acólitos como John Carpenter (quien rehizo la película de Hawks de 1951 The Thing From Another World como The Thing ), Brian De Palma (quien rehizo la famosa Scarface en 1983), Peter Bogdanovich (quien escribió un libro sobre Hawks en 1962) y Quentin Tarantino (que cita a Rio Bravo como una de sus películas favoritas ). [Katie Rife]

Las películas de Todd Haynes no tienen mucho en común entre sí: hizo una película biográfica de Karen Carpenter con muñecas Barbie y un examen brutal de la enfermedad de la cultura con Julianne Moore, excepto que todas están brillantemente observadas. Cada uno vale la pena verlo. [Josh Modell]

James Ivory es estadounidense y, nota de programación, uno de los pocos directores estadounidenses cuyo apellido comienza con la letra "I". Junto con su socio productor (y vitalicio) Ismail Merchant, Ivory hizo un montón de películas, no todas geniales. Pero con el material adecuado (específicamente las novelas de EM Forster) y los actores, creó obras maestras: Tanto A Room With A View como Howards End son casi perfectos, y no es de extrañar que sean tarjetas de presentación, junto con The Remains Of The Day . para Merchant-Ivory Productions. [Josh Modell]

Mucho antes de Skywalker Ranch, el minero de carbón convertido en impresionario Thomas Ince construyó el primer estudio de cine estadounidense a su propia imagen: un extenso tramo de la cordillera de Santa Mónica, coloquialmente apodado "Inceville". En 1912, simplemente no había nada parecido, y por presidir la escena primordial de la producción cinematográfica estadounidense estandarizada y por ayudar a popularizar el formato de largometraje con la primera película de cinco bobinas The Battle Of Gettysburg, Ince pertenece a esta lista. [Adam Nayman]

Sin contar una biblioteca de increíbles videos musicales y trabajos comerciales, el reclamo de grandeza de Spike Jonze se basa en solo cuatro películas. Afortunadamente, cada uno de ellos es un triunfo alucinante. Trabajando con el guionista científico loco Charlie Kaufman, Jonze creó dos obras maestras del cómic del cambio de milenio: Ser John Malkovich , un salto loco a través de los rincones de la identidad; y Adaptation , una de las películas esenciales sobre la agonía creativa, protagonizada por un Nicolas Cage nunca más divertido. Desde entonces, el director se ha adentrado más en la madriguera de su propia melancolía, emergiendo con un par de piezas dolorosamente tristes: mientras que Where The Wild Things Are convierte audazmente un clásico iluminado por niños en una inquietante visión del divorcio, Her encuentra el penetrante verdad emocional en una premisa que fácilmente podría haberse jugado para la más barata de las risas. Si esto es lo que viene de tomarse su tiempo y elegir sus proyectos sabiamente, tal vez más directores deberían contentarse con una filmografía con la que pueda contar con una mano. Por supuesto, también tendrían que poseer el genio idiosincrásico de Spike Jonze ... [AA Dowd]

Jim Jarmusch no hace películas perfectas, pero sus ideas maravillosamente desordenadas y enormemente inusuales las hacen indelebles. Bill Murray habla con RZA y GZA. Johnny Depp conoce a un nativo americano amante de la literatura. Forest Whitaker es un samurái. Tom Waits, Roberto Benigni y John Lurie se sientan en una celda de la cárcel. [Josh Modell]

Elegir a Stanley Kubrick para "K" fue el más fácil de todos los votos para esta función. El consenso entre nuestros votantes fue tan fuerte que el hecho de que Kubrick viviera y trabajara en Inglaterra durante gran parte de su carrera ni siquiera surgió hasta después de un voto unánime a su favor. Pero Kubrick nació en Estados Unidos, comenzó su carrera con una serie de películas estadounidenses y continuó trabajando para estudios estadounidenses incluso después de que se mudó a Pinewood, por lo que vamos a reclamarlo como uno de los nuestros. Un perfeccionista legendario, la dedicación absoluta de Kubrick a su visión es evidente en su composición inmaculada y estricta atención a los detalles, así como en las muchas innovaciones técnicas que él y su equipo crearon. Kubrick era un verdadero maestro: podía hacer una gran película en cualquier género en el primer intento, y rara vez se repetía en términos de tema. Si se puede encontrar fallas en su trabajo, es que su perfección puede hacer que parezca un poco frío a veces, aunque con un actor como Jack Nicholson en The Shining o Malcolm McDowell en A Clockwork Orange , ese factor está más que mitigado. [Katie Rife]

En algún momento de sus carreras, todo gran director ha dicho sobre ellos: "No hay nadie más como ____". David Lynch hace que esos directores parezcan bloques de Lego intercambiables. La palabra "autor" no transmite la profunda idiosincrasia y la ardiente originalidad de la visión de Lynch. Casi todos los cineastas pueden contar una historia de la primera vez que se encontraron con su trabajo: los inquietantes paisajes oníricos de Eraserhead , el desgarrador anti-erotismo de Blue Velvet , la lógica de la madriguera de Mulholland Drive . Estas son imágenes que nadie más pensaría en filmar, porque son imágenes que nadie más pensaría , punto. Lynch amplió los límites de lo que el cine era capaz de lograr y, al hacerlo, ha demostrado la verdad de la sabiduría sobre lo singular que contiene las semillas de lo universal. Ha hecho que el público vibre colectivamente en una longitud de onda propia, porque no hay nadie más, no, en realidad esta vez, como David Lynch. [Alex McCown]

Ha hecho un montón de malas articulaciones a lo largo de los años, pero cuando Spike está encendido, realmente está en: Do The Right Thing sigue siendo uno de los retratos más extasiados y apasionadamente vivos de la vida estadounidense jamás puestos en celuloide, mientras que películas como Clockers , 25th Hour , y Bamboozled ofrecen sus propios diagnósticos audaces sobre el estado de nuestra nación. Puntos extra por moverse con fluidez entre el trabajo de estudio y los indies de bricolaje. [AA Dowd]

Terrence Malick ha dirigido uno de los mejores segundos actos del cine estadounidense. Después de dirigir dos clásicos indiscutibles, Badlands y Days Of Heaven , desapareció durante 20 años, un acto de desaparición increíble para un director muy aclamado, antes de reaparecer con The Thin Red Line . A partir de ahí, parece que Malick tomó todo lo personal y único de su estilo y lo amplió a una escala inmensa. Sus películas se deleitan con las imágenes, casi deleitándose con la mera captura de un momento poético fugaz. Se tratan menos de historias que de sentimientos, o, en el caso de El árbol de la vida , la tercera mejor película de la década de The AV Club , sobre todos los sentimientos que se hayan sentido. A la vez etéreamente oníricas y dolorosamente reales, sus películas no equilibran la tensión entre la vida exterior y la gracia interior, sino que revelan a ambos como lados unidos de un todo diáfano. [Alex McCown]

Michael Mann es conocido superficialmente por crear casi sin ayuda lo que comúnmente se conoce como la estética de los 80. Sus malvadas calles empapadas de lluvia y empapadas de neón están pobladas por policías duros y ladrones que viven según su propio código en películas como Manhunter y Thief . Sin embargo, son sus temas de honor, lealtad y machismo frágil los que definen su trabajo y se traducen de la moderna América del calor a la era de la Depresión en Public Enemies o incluso al siglo XVIII representado en The Last Of The Mohicans . [Mike Vanderbilt]

Vincente Minnelli, expresivo y colorido artista de la pantalla grande, se abrió camino desde vestir vidrieras para Marshall Field hasta diseñar decorados de Broadway antes de que MGM le ofreciera un contrato. La mayoría de los maestros de la era de los estudios de Hollywood desarrollaron sus estilos lentamente, pero Minnelli llegó como un esteta puro, poniendo su sentido de la composición y el color en algunos de los mejores musicales jamás hechos ( Meet Me In St. Louis , An American In Paris ) y convertirse en uno de los directores de melodrama más talentosos del período más rico del género. Nadie sacó más provecho de lo chillón. [Ignatiy Vishnevetsky]

Christopher Nolan, nacido en Gran Bretaña, vive y hace películas en Estados Unidos, una inversión de Stanley Kubrick, con quien se le compara a menudo (e inexactamente). Los thrillers de Nolan en los grandes estudios no son especialmente cínicos o satíricos, aunque comparten con el trabajo de Kubrick una sensación de amenaza inminente. En cambio, a menudo están cargados de exposiciones de mentalidad literal, especialmente cuando él participa en sus guiones. Pero los volcados de información de Nolan tienen un propósito real, porque sus protagonistas obsesivos a menudo intentan trabajar (y controlar) su camino a través de situaciones logísticamente complicadas: los planetas que deforman el tiempo de Interstella r , una Ciudad Gótica plagada de corrupción y locura, los sueños dentro de los sueños de Inception , o un infierno de un problema de memoria a corto plazo en Memento . Aunque algunos encontraron los mundos de Inception insuficientemente surrealistas, hay algo vívidamente onírico en las imágenes de tomas de celuloide de Nolan, que tienen un peso físico y, a menudo, emocional del que carecen la mayoría de las películas de escala similar. Hace grandes películas que realmente se sienten grandes, en ambos sentidos de la palabra. [Jesse Hassenger]

Un nominado al Oscar recién salido de la puerta por su versión montada eléctricamente de Who's Afraid Of Virginia Woolf? Mike Nichols sólo tuvo que esperar un año más para ganar el premio al Mejor Director: su estatuilla a la tierna edad de 36 para The Graduate lo convirtió instantáneamente en la cosa más popular de Hollywood. Durante los siguientes 45 años, el ex dibujante cómico y en ocasiones actor hizo películas de diversa calidad, pero las buenas ( Carnal Knowledge , Silkwood y esa historia triunfalista capitalista-Cenicienta Working Girl) lo convirtieron en un colaborador codiciado para casi todos los grandes. estrella de cine del período posterior a los 60. [Adam Nayman]

Dada su brillantez como titiritero, no sorprende que Oz se sintiera atraído por escenarios fantásticos como cineasta: El cristal oscuro y La pequeña tienda de los horrores son exhibiciones de efectos especiales magníficamente realizados. Sin embargo, en su mejor momento, Oz es capaz de transformar actores de carne y hueso en lunáticos flojos, parecidos a los Muppet, como en What About Bob? —Con su gran papel seriocómico para Bill Murray— y los atemporales Dirty Rotten Scoundrels (“¿Puedo llevarme su tridente, señor?”). [Adam Nayman]

Sam Peckinpah, un iconoclasta cuyas obras ultraviolentas estaban arraigadas en preguntas complicadas sobre la masculinidad, ayudó a reescribir el libro de reglas occidental (y el cine de acción) con The Wild Bunch de 1969 . La mezcla de esa película de derramamiento de sangre impactante, tristeza viril e introspección de género revisionista la convirtió en un clásico instantáneo, al igual que el entonces revolucionario uso de Peckinpah de la cámara lenta y las ediciones discordantes. Antes de sucumbir al alcoholismo que ayudó a definir parcialmente su personalidad a contracorriente, el director dirigió una serie de películas brutalmente viciosas que, décadas más tarde, superan con creces la prueba del tiempo. Entre ellos se encuentran los elegíacos Pat Garrett y Billy The Kid , los amantes en fuga en The Getaway , el machismo bajo ataque en Straw Dogs , o el incomparablemente extraño, a la vez feo y hermoso Bring Me The Head Of Alfredo García . Esta última no es solo una de las películas más extrañas en la historia del cine estadounidense, sino también quizás la mejor hora de Peckinpah, dado que se presenta como una encapsulación tan cruda, sin adornos y que no se puede mirar hacia otro lado de la visión de la vida del director. [Nick Schager]

Preminger, nacido en Austria, invirtió el material de los bestsellers con inteligencia crítica, al mismo tiempo que empujaba los límites de lo que las películas estadounidenses podían mostrar en pantalla. Pero aunque los éxitos de los años 50 como El hombre del brazo dorado y Anatomía de un asesinato siguen siendo sus obras más populares, los espectadores no deben pasar por alto sus primeros noirs ( Laura, Whirlpool ) o el trabajo que hizo en las últimas décadas de su carrera ( El factor humano, tan buenos amigos ). [Ignatiy Vishnevetsky]

Richard Quine representa no solo la letra Q, sino también a los directores confiados y versátiles que se han pasado por alto desde que se reescribió la historia de Hollywood de acuerdo con los valores del autor. Mejor conocido por entretener trivialidades como Bell Book And Candle y My Sister Eileen y por su una vez popular adaptación de El mundo de Suzie Wong , Quine demostró con creces su valía como cineasta con Strangers When We Meet , el estilo doméstico más expresivo y decidido. drama de este lado de Douglas Sirk. [Ignatiy Vishnevetsky]

Un director cuyas obras están marcadas por su penetrante empatía por sus protagonistas, Nicholas Ray es un titán cuya carrera fue, entre otras cosas, una influencia primordial en la Nueva Ola francesa, y cuyo éxito más famoso, Rebelde sin causa de 1955, hizo a James Dean un icono del descontento juvenil. Aunque Ray es más conocido por Rebel , estuvo lejos de ser su único triunfo, ya que el canon del director también incluye los fenomenales noirs They Live By Night (su debut) e In A Lonely Place , el thriller policial On Dangerous Ground , el western de Joan Crawford. Johnny Guitar y Bigger Than Life, infectado por la locura . Todos están realzados por las composiciones de marca registrada de Ray, en las que los colores vivos y las estructuras ambientales ayudan a crear panoramas sorprendentemente tensos que reflejan los estados emocionales tumultuosos de sus personajes. Pocos directores han usado alguna vez la forma de pantalla ancha con tanta vitalidad explosiva como Ray, cuyo estilo aún no tiene paralelo en términos de gracia, belleza y poder evocador. [Nick Schager]

Kelly Reichardt captura la psique de la identidad estadounidense fracturada con la vitalidad de un nervio en carne viva. Sus películas contienen silenciosos y meticulosos momentos de belleza, que resultan ser una persiana tras la cual la directora se cuela en algunas de las turbulencias emocionales más conmovedoras del cine contemporáneo. Solo intenta ver Wendy And Lucy o Meek's Cutoff y niega la potencia de su austera visión. No debería existir una lista de los mejores cineastas estadounidenses vivos sin su nombre adjunto. [Alex McCown]

Marty probablemente podría reclamar esta con solo tres películas, una trifecta de las favoritas de los dormitorios. Pero incluso si sacaras a Raging Bull , Taxi Driver y Goodfellas de la ecuación, su legado como leyenda viviente, el maestro del pecado estadounidense, nuestro autor más rock 'n' roll, permanecería intacto. En medio siglo de cine, Martin Scorsese nunca se ha dormido en los laureles, incluso cuando ha construido un cuerpo de trabajo en torno a obsesiones constantes: la atracción magnética de los hombres repelentes, la violencia de la ciudad, la construcción y el estreno atemporales de "Gimme Shelter . " Scorsese ha realizado comedias vergonzosas, epopeyas religiosas, películas familiares en 3-D, romances tiernos, biopics, thrillers dementes y algunas de las mejores sagas criminales de la historia del cine. Lo que nunca ha hecho es una película aburrida, aunque ha inspirado bastantes malas imitaciones. Ahora, en sus 70, el director todavía está provocando indignación y debate: su película más reciente, El lobo de Wall Street , se siente como el trabajo de un rebelde joven y hambriento, no como un ícono pasado de su mejor momento. El mejor momento de Scorsese es de cinco décadas y contando. [AA Dowd]

Dirigir películas fue solo un capítulo de la colorida vida de Preston Sturges, y su mejor racha fue durante el breve período de cinco años de 1940 a 1944. Pero qué racha: una serie casi perfecta de comedias locas como Sullivan's Travels y The Lady Eve. , rebosante de extraños malentendidos, montajes frenéticos, mujeres atrevidas y largas escenas de diálogo superpuestas que pueden llevarte a creer que todos deben haber sido fantásticamente ingeniosos en ese entonces. No lo eran, pero Sturges sí. [Katie Rife]

Steven Spielberg y Martin Scorsese son los dos principales competidores en el campo del cineasta estadounidense más intuitivamente visual y cinético, y Spielberg todavía a veces es subestimado, probablemente debido a su éxito de taquilla. Su técnica es deslumbrante, ya sea al servicio de piezas de teatro centradas en dinosaurios o dramas con carga política, y sigue siendo un cineasta emocionante y desafiante; Ninguno de los otros mocosos de películas de los 70 ha hecho tantas películas buenas a grandes en los últimos 15 años. [Jesse Hassenger]

Hablar de Quentin Tarantino es hablar de todos los directores que lo influenciaron: Howard Hawks, Sam Peckinpah, John Woo, Kinji Fukasaku, Sergio Leone (especialmente Sergio Leone), solo por nombrar algunos. Eso es cierto para todos los directores hasta cierto punto, pero especialmente cierto para Tarantino, cuyo genio está en su capacidad no solo para recordar cada película que ha visto hasta el plano específico, sino para reinterpretar esas películas de una manera que se sienta fresca. A lo largo de su carrera, Tarantino ha reunido una especie de mapa cinematográfico de su inconsciente al muestrear sus influencias de una manera no muy diferente a la de un artista de hip-hop, con su diálogo profano, divertido y cargado de referencias a la cultura pop en capas sobre un escena como versos sobre un ritmo. Dejó de ser un inconformista indie hace mucho tiempo, aunque la gente todavía está estafando su obra de los 90, pero incluso cuando ingresa a la fase de Viejo Maestro de su carrera, no espere que Tarantino se vuelva complaciente. Por encima de todo, le encantan las películas, desde las películas de arte hasta la basura de explotación (como, realmente las ama ; las imágenes de prueba recientes de The Hateful Eight supuestamente lo hicieron " rebotar en su asiento " como un niño pequeño) y esa emoción siempre se manifestará en su Película (s. Sin duda le ayuda a conseguir las mejores actuaciones de sus actores: hay una razón por la que todos en Hollywood quieren trabajar con Tarantino. [Katie Rife]

Cuando se trata de elevar el género de mala reputación de las películas de terror de serie B, Jacques Tourneur tiene pocos iguales. Tomó tarifas potencialmente baratas como Cat People y I Walked With A Zombie y las convirtió en pura brillantez cinematográfica. Es mucho más fácil hacer una gran película cuando tienes un gran guión; lo que hizo Tourneur fue más parecido a despertar a los muertos, y no menos milagroso. Puede que haya nacido en Francia, pero tiene el alma y la carrera de un autor estadounidense visionario. [Alex McCown]

Rechazado de la corriente principal de los estudios, Edgar G. Ulmer se convirtió en el artista definitivo de la franja de Hollywood, dirigiendo noirs de Poverty Row, películas de ciencia ficción muy reducidas, westerns chirriantes y melodramas en yiddish. El santo patrón de la estilización de bajo presupuesto, Ulmer podía tomar actores en coma, decorados minimalistas y pantallas de retroproyección de mala calidad y convertirlas en obras de arte tan delirantes y oníricas como Detour y Strange Illusion . Antiguo estudiante de arquitectura y escenógrafo, tenía el don de crear y deconstruir estados de ánimo y entornos en pantalla. Su segundo largometraje, el clásico The Black Cat , fue un éxito de taquilla y debería haber asegurado su carrera en Hollywood, pero su matrimonio con la ex esposa de un productor bien conectado lo relegó a los márgenes. El sabotaje intencional de la carrera de Ulmer, orquestado por el director de Universal, Carl Laemmle, proporciona a la historia de Hollywood uno de sus grandes "y si". Quién sabe qué habría logrado Ulmer si hubiera continuado en el sistema de estudio; En su forma actual, su carrera sigue siendo una lección objetiva sobre cómo un cineasta puede expresarse plena y personalmente a pesar de presupuestos inexistentes y colaboradores indiferentes. [Ignatiy Vishnevetsky]

King Vidor, ambicioso y totalmente estadounidense, condujo de Texas a Hollywood en un Modelo T, durmiendo al aire libre y pagando sus gastos filmando y vendiendo imágenes de noticiarios del viaje. Trabajó en trabajos ocasionales en la industria, se convirtió en director y luego ascendió al panteón de los grandes de la era del cine mudo con películas como The Crowd y The Big Parade , obras maestras que combinaban el movimiento dinámico de la pantalla grande con una sensibilidad hacia las preocupaciones de la gente común. Hizo películas sobre idealistas e individualistas en concierto y conflicto con las fuerzas más grandes de la sociedad, la historia y la guerra; No es de extrañar, entonces, que su adaptación personal y abiertamente sexual de The Fountainhead sea ​​la única gran cosa que surge de los escritos de Ayn Rand. Aunque siguió siendo un nombre destacado en la era de Cinemascope, Vidor se sintió alienado por Hollywood y pasó la última parte de su carrera, que abarcó desde la década de 1910 hasta la de 1980, centrada en cortometrajes documentales que exploraban sus creencias metafísicas y el trabajo de su pintores favoritos. [Ignatiy Vishnevetsky]

El nombre de Josef Von Sternberg estará asociado para siempre con el de su musa Marlene Dietrich, a quien eligió para El ángel azul cinco años después de su carrera en Hollywood. Juntos, crearon algunas de las películas más suntuosas y elegantes jamás realizadas, con Dietrich, la diosa rubia, interpretada en un exquisito blanco y negro bajo la lente de Von Sternberg. [Katie Rife]

El arquetipo del niño genio, la reputación de Orson Welles se estableció por primera vez en la radio, donde su Mercury Theatre produjo la infame transmisión de Halloween de La Guerra de los Mundos de 1938 . Welles tenía 23 años en ese momento. Hizo su debut como director a los 25 años con Citizen Kane , eligiéndose a sí mismo para el papel principal de Charles Foster Kane, un magnate de los periódicos corruptos modelado audazmente según el poderoso magnate editorial William Randolph Hearst. Hearst enfurecido trató de enterrar a Kane y, aparte de un Oscar al mejor guión para Welles, tuvo un gran éxito. Welles lucharía contra el sistema de Hollywood por el resto de su vida, luchando contra RKO por el corte final de The Magnificent Ambersons y pasando gran parte de los años 40 y 50 en un exilio autoimpuesto. La carrera de Welles está marcada por fracasos comerciales y triunfos artísticos, y no fue hasta el final de su vida que fue reconocido por el mundo del cine como uno de sus miembros más talentosos. Aún así, el medio siglo que Citizen Kane pasó en la parte superior de la lista de Sight & Sound de las mejores películas de todos los tiempos, y su estado actual en la parte superior de la lista similar del American Film Institute , tiene que compensarlo un poco. [Katie Rife]

Un gran maestro del Hollywood clásico como nuestra selección "H", Howard Hawks, la filmografía de Billy Wilder se lee como un programa de estudios de escritura de guiones 101: Double Indemnity . Sunset Blvd . A algunos les gusta caliente . El apartamento. Wilder comenzó su carrera como escritor y permaneció uno hasta el final, aunque no dirigió su primer largometraje hasta después de huir de Alemania a los Estados Unidos después de que los nazis subieran al poder. Y estábamos felices de tenerlo. [Katie Rife]

Francamente, no había forma de que el Padrino de Gore figurara en esta lista con su nombre de pila. Sus películas son demasiado destartaladas para eso. Así que es una suerte para Herschell Gordon Lewis que de vez en cuando usara el seudónimo de Francis X. Ploitation (y que el director de videos musicales Director X sea ​​canadiense). Sin embargo, una cosa diremos de Lewis: aunque es barato, con frecuencia tonto (¿un proveedor egipcio? ¿De verdad?), Y plagado de actuaciones de aficionados, su trabajo ha sido influyente, y los aficionados al cine de salpicaduras deben agradecer a HGL por cada destripamiento gráfico. mutilación y decapitación que vino a su paso. [Katie Rife]

Sin ser lo suficientemente distintivo como para ser etiquetado como un "autor", Peter Yates disfrutó sin embargo de una próspera carrera de trabajo en largometrajes, con una serie de destacados en diversos géneros que ilustran su habilidad artesanal asegurada. El esfuerzo más notable de Yates fue probablemente Bullitt de 1968 , que ayudó a coronar a Steve McQueen como el indiscutible rey de lo cool. En los años siguientes, Yates fabricó vehículos superlativos para muchas estrellas, incluida la saga de atracos de Robert Redford / George Segal The Hot Rock , la joya criminal de Robert Mitchum The Friends Of Eddie Coyle y la comedia titulada Mother de Bill Cosby-Raquel Welch-Harvey Keitel sin igual. , Jarras y Velocidad . Pisándole los talones a Tiburón , el thriller submarino de 1977 The Deep fue un éxito de taquilla (gracias en gran parte a la visión de Jacqueline Bisset con una camiseta mojada), y Breaking Away de 1979 fue un contendiente al Oscar, ganando como Mejor Original. Guión. Si bien su producción de los 80 no fue tan ilustre, Krull es una fantasía de bola de queso particularmente querida y exhibe la habilidad de Yates como director de acción a gran escala. [Nick Schager]

Robert Zemeckis nunca quiso hacer películas de arte. Quería hacer películas de Hollywood y, como resultado, una generación creció en Regreso al futuro y ¿Quién engañó a Roger Rabbit? . Zemeckis es conocido como uno de los mejores narradores visuales en el negocio, y su uso de elaborados efectos especiales, particularmente en Death Becomes Her y el clímax de Back To The Future II , para bromas simples y desechables es magistral. Aunque Zemeckis trabaja dentro del sistema de Hollywood, no tiene miedo de correr riesgos: decidió adaptar The Polar Express como una película de captura de movimiento completa cuando fácilmente podría haber sido animada, e hizo una película protagonizada por Tom Hanks y un trabajo de voleibol. tan bien que el público lloró cuando Wilson fue arrastrado al mar. Sería fácil descartar a Zemeckis como sacarina si no fuera por su cinismo: Forrest Gump critica el movimiento del amor libre, Used Cars muestra a los vagos golpeando a los snobs haciendo trampa un poco mejor, e incluso Flight presenta una escena en la que Se llama a un sórdido traficante de drogas para salvar el día. Zemeckis hace todo este trabajo acercándose a todo con un toque ligero; ¿De qué otra manera podría hacer tan encantador el incesto (potencial) entre Marty McFly y su madre? [Mike Vanderbilt]

Antes de que David Zucker se volviera loco, se ganó su reputación como codirector (junto con su hermano Jerry y su amigo Jim Abrahams) de Airplane. , junto con el Top Secret menor pero aún genial ! . Solo, David Zucker también dirigió The Naked Gun . Esto no perdona por completo a An American Carol , pero es bueno para algo. [Josh Modell]

Suggested posts

Jason Segel es una piedra de altruismo en el drama sobre el cáncer recubierto de azúcar Our Friend

Jason Segel es una piedra de altruismo en el drama sobre el cáncer recubierto de azúcar Our Friend

Casey Affleck y Jason Segel en Our Friend La escena inicial de Our Friend, un tierno e indie lacrimógeno construido a partir del plano de una desgarradora historia real, encuentra a un marido y una mujer en el precipicio de una conversación difícil. Es hora de que Nicole (Dakota Johnson) y Matt (Casey Affleck) hablen con sus hijos.

Priyanka Chopra Jonas y Adarsh ​​Gourav sobre los que tienen, los que no tienen y El tigre blanco

Priyanka Chopra Jonas y Adarsh ​​Gourav sobre los que tienen, los que no tienen y El tigre blanco

En la nueva adaptación literaria de Netflix, El tigre blanco, Adarsh ​​Gourav interpreta a Balram, un conductor que lucha contra lo que él llama "el gallinero" del sistema de castas de la India. Como dice en la película, él es una de las personas con una “barriga pequeña” que busca engordar de alguna manera, tanto literal como figurativamente.

Related posts

Identifying Features es una de las películas más grandes y devastadoras sobre la guerra contra las drogas en México

Identifying Features es una de las películas más grandes y devastadoras sobre la guerra contra las drogas en México

Algunas películas nos hieren tan profundamente que una vez que la oscuridad ha consumido su fotograma final somos incapaces de sacudirnos la angustia. Ese es el poder de Identifying Features, que es tan dolorosamente íntimo como despiadado en su acusación de un país devastado por un mal corrosivo y arraigado.

1982 enturbia una cautivadora instantánea histórica con la fantasía de Jojo Rabbit

1982 enturbia una cautivadora instantánea histórica con la fantasía de Jojo Rabbit

1982 Hay todo un subgénero de películas sobre cómo la guerra se ve a través de los ojos de un niño: un linaje de historias violentas contadas desde la perspectiva inicialmente inmaculada de la juventud, incluyendo The Devil's Backbone y Pan's Labyrinth de Guillermo del Toro; el agotador The Painted Bird del año pasado; y el hermoso y trágico clásico de Studio Ghibli, Grave Of The Fireflies. El director Oualid Mouaness adopta el mismo enfoque en 1982, la entrada de Líbano para los Oscar de este año, que sigue a un estudiante de quinto grado enamorado de un compañero de estudios el 6 de junio de 1982, el día en que Israel invadió el Líbano.

Los problemas paternales profundamente sentidos distinguen a The Salt Of Tears de cualquier otro romance de Philippe Garrel

Los problemas paternales profundamente sentidos distinguen a The Salt Of Tears de cualquier otro romance de Philippe Garrel

Últimamente, las películas de Philippe Garrel se han sentido menos como obras independientes que como elementos de una serie: variaciones sobre temas y temas familiares (amor romántico, infidelidad sexual), todos ligados por una coherencia estilística concertada (tramas reducidas, negro y -marcos de pantalla ancha blancos). Coescrito por Jean-Claude Carrière y Arlette Langmann (colaboradores habituales de Garrel desde Celos de 2013), la última novela del veterano director francés, The Salt Of Tears, no es una excepción.

Una confusa, extrañamente titulada aspirante a Oscar se encoge de hombros ante su propio misterio intrigante

Una confusa, extrañamente titulada aspirante a Oscar se encoge de hombros ante su propio misterio intrigante

Cigüeña Natasa en Preparativos para estar juntos por un período de tiempo desconocido Nota: El autor de esta revisión vio Preparativos para estar juntos por un período de tiempo desconocido en una pantalla digital desde su casa. Antes de tomar la decisión de verla, o cualquier otra película, en un cine, considere los riesgos para la salud que implica.

Language