Las mejores actuaciones televisivas de 2018

El año en las actuaciones televisivas estuvo marcado tanto por la transformación como por el poder de las estrellas, ya que las estrellas de Hollywood continuaron acudiendo en masa a la pantalla chica. El público absorto vio cómo un par de caballeros británicos que conocen bien un drama de Jane Austen se convirtieron en canallas, y los novios de Estados Unidos (pasado y presente) aprovecharon sus lados oscuros. Los protagonistas de las comedias adolescentes que se convirtieron en ganadores del Oscar tuvieron una experiencia de cambio de género, mientras que la musa de un cineasta se convirtió en la realeza de la moda. . Pero el brillo de esos nombres de marquesina no pudo eclipsar a todas las estrellas emergentes, los recién llegados que captaron nuestra atención mientras se defendían de algunos de sus compañeros más aclamados, o los actores veteranos que no solo son el pegamento de sus respectivos conjuntos, sino también continúan mostrándonos a todos cómo se hace. Existe cierta discusión sobre cuántos programas realmente geniales surgieron esta temporada, y eso está bien, pero, como demuestra nuestra lista, 2018 podría ser fácilmente el año del máximo rendimiento.

Con menos enfoque de conjunto que su aclamado predecesor y una narrativa que atravesó los Estados Unidos (con una breve parada en Filipinas), The Assassination Of Gianni Versace: American Crime Story necesitaba un centro de gravedad. Tenía uno en el diseñador de moda de su título; encontró uno en el actor que interpretó al asesino de Versace. La ex estrella de Glee Darren Criss se graduó en las grandes ligas de Ryan Murphy con su giro calculador y camaleónico como Andrew Cunanan, una figura trágica forjada a partir de las presiones de la homofobia interna y externa, que pretendía tener todo lo que le prometió un cariñoso, con -hombre padre-luego hizo como papá y tomó todo lo demás. Es una actuación sobre el rendimiento, con la suficiente vulnerabilidad para evitar que la sangre se escurra y la amenaza suficiente como para no dejar nunca olvidar que Cunanan mató al menos a cinco personas. (Puedes ver ambos en el canto a coro "Gloria" de Criss.) Los asesinatos de Cunanan fueron habilitados por una cultura que miraba para otro lado, pero Criss hace que no puedas apartar la vista de Andrew. Él teje con confianza las redes de mierda de Cunanan, mientras hace lo suficiente para inclinar la mano del personaje: su exceso de entusiasmo de cachorro frente a David Madson de Cody Fern, la violencia desenfrenada con la que ataca un sándwich en el capítulo de Chicago de la miniserie. Incluso cuando las palabras de Cunanan sonaban demasiado buenas para ser verdad, Criss siempre era creíble. [Erik Adams]

Los cuatro personajes principales de Atlanta son observadores silenciosos de su entorno, pero el turno de Brian Tyree Henry como el rapero Alfred "Paper Boi" Miles toma ese manto y realmente lo acepta. Aunque Henry ha dominado el tiro de reacción de GTFO, ha agregado nuevas capas de frustración a su actuación esta temporada, especialmente desde que Paper Boi ha obtenido desde entonces cierto reconocimiento. Henry tiene la capacidad de extraer el humor solo de su expresión manchada de hierba, pero imbuye su papel con una fuente de melancolía reprimida que es potente solo por la naturaleza de la moderación de Henry. Paper Boi tiene que lidiar con las disputas familiares, las molestias de los fanáticos y compañeros por igual, y la violencia de la temporada de Robbin, y mientras tanto, mantiene una fachada de desafecto necesaria para moverse por este mundo. El imponente tamaño de Henry siempre ha influido en su desempeño, especialmente cuando tiene que modular su personalidad dependiendo de su compañía, pero este año, encuentra la manera de jugar grandes y pequeños en el mismo momento. Henry ha tenido una pancarta en 2018, y ha aparecido en tres de las películasmás aclamadas del año , pero su papel de Paper Boi le permite utilizar todas las herramientas a su disposición. [Vikram Murthi]

Si alguna vez hubo una temporada de Better Call Saul para hacer sonar la alarma sobre el tremendo trabajo que está realizando Rhea Seehorn, es esta última. El trabajo del actor como Kim Wexler ha sido consistentemente excelente desde que comenzó este programa, pero el arco de la cuarta temporada fue un escaparate para que Seehorn demostrara lo buena que puede ser. Desde el momento en el episodio dos cuando su asediado abogado se descarga sobre Howard Hamlin en una demostración volcánica de ira y protección hacia Jimmy, Kim asumió el centro del escenario en la narrativa, sus frustraciones con su cliente impersonal y autoritario y su deseo de sentido en la vida la empujaban. para duplicar el mundo de Slippin 'Jimmy, hasta el momento en que se da cuenta de que su fe incesante en su pareja podría estar fuera de lugar. Seehorn interpreta cada emoción con una ambigüedad tan complicada, colocando matices sobre matices durante cada nueva confrontación con un obstáculo en el camino hacia la felicidad (algo de su propia creación), que eventualmente el carisma del actor simplemente toma el control, llevando a todos a su órbita en el proceso. . Mejor llama a los Emmy. [Alex McLevy]

D'Arcy Carden hizo un fuerte impulso de 11 horas por el título de MVP de Soul Squad 2018, pero lo que le falta a William Jackson Harper en los episodios que pasa jugando frente a él (jugando frente a él jugando frente a él mismo jugando frente a él jugando frente a él), él más que compensa el tiempo dedicado a mantenerlos pies de The Good Place en el suelo. Eso fue un poco más fácil una vez que Chidi Anagonye y sus compañeros legiones de condenados burocráticamente fueron devueltos a la Tierra en la tercera temporada, y el aula de Chidi se convirtió en la plataforma de lanzamiento para su segunda oportunidad. Pero las segundas oportunidades significan segundas opciones, lo que le da a Harper aún más indecisión que la mía, y finalmente lo pone en el lugar de interpretar a un hombre con la cabeza llena de información que debe aceptar que dicha información no puede salvarlo de una eternidad de tortura. Se deduciría que alguien que pasa tanto tiempo reflexionando se ríe a carcajadas gritando preguntas al cielo; es uno de los dones intangibles de Harper que puede extraer tanto sentimiento (y la sílaba extra ocasional) de sus "qué" y "por qué". Es tan entretenido en el modo de pánico que losescritores de The Good Place deben estar constantemente tentados a lanzar decisiones, escenarios de ruptura y crisis existenciales completas en Harper. Pero como demostró recientemente (con una gran ayuda de Carden), cuando Chidi necesita dar un paso al frente y salvar a alguien que ama (y, ya sabes, todo el universo), Harper también puede vender eso con entusiasmo. Ésta es la razón por la que todo el mundo odia a los profesores de filosofía moral, con unaexcepción"sorprendentemente secuestrada ". [Erik Adams]

Succession de HBO es el mejor programa que no has visto este año. A su vez, tensa, hilarante y profunda, inquietantemente relevante, la sátira de Jesse Armstrong prospera en gran parte debido a su conjunto dorado. La familia Roy, dueña de un imperio mediático al estilo de Fox, forma el núcleo de la narrativa, pero algunos de sus mejores personajes existen al margen. Uno de ellos es el gerente intermedio Tom Wamsgans, el orgulloso, oportunista y frágil prometido de Shiv, la única hija de Roy. Interpretado por Matthew Macfadyen, Tom está deliciosamente fuera de su alcance y, intimidado por el vacío de poder de los Roy, desesperado por alguien a quien intimidar. Ese alguien llega al primo Greg (Nicholas Braun), con quien Tom forma un vínculo cómicamente abusivo y codependiente que solo los parásitos de un imperio global podrían. Todo el mundo en la sucesión existe en alguna etapa de la podredumbre moral y, en virtud de ser justo al borde de la sociopatía, luchas de Tom con su conciencia ahogamiento son algunos de los más sorprendentes de la serie. Macfadyen es perfecto en el papel, su semblante modesto le permite pasar de momentos de gran vulnerabilidad a episodios de pura monstruosidad. Aparte de Greg, podría ser el más simpático en un mar de personajes desagradables, aunque solo sea porque es lo suficientemente inseguro como para ser identificable. [Randall Colburn]

Se necesita mucho para que un programa de enero sea recordado a fin de año, pero con sus aclamadas dos primeras temporadas, One Day At A Time hace que parezca fácil. También lo hace la protagonista de la serie, Justina Machado. Machado fundamenta los elementos más amplios del espectáculo y aporta patetismo a sus momentos serios, siempre rebosante de energía y haciendo de Penélope la fuerza de la naturaleza que debe ser para mantenerse al día con su ajetreada y exigente vida. Desde la frenética sesión de estudio en bicicleta estática de “Schooled” hasta las alocadas y alocadas payasadas de “Locked Down”, la segunda temporada le dio a Machado mucho material cómico directo para jugar, destacando su físico y su sincronización. Estas escenas más grandes también sentaron las bases para el golpe que se produjo cada vez que la serie se desaceleró y le permitió mostrar sus dotes dramáticas. Machado les roba el aliento a los espectadores con su absoluta quietud en el acto final de "Locked Down", exige al menos una lágrima con su monólogo emocional en "Not Yet" y, de manera más poderosa, se transforma completamente para retratar la espiral de Penélope en depresión clínica en "Hello , Penélope ". Las comedias familiares multicámara y sus actrices principales a menudo se pasan por alto en la temporada de premios. La actuación de Machado demuestra cuánta vitalidad queda en esta forma clásica. [Kate Kulzick]

Mantenerse a la altura de un ganador del Oscar y la novia de Estados Unidos no es tarea fácil, pero maldita sea si Stephan James no lo hace lucir de esa manera sentado frente a Julia Roberts en la adaptación de Homecoming de Sam Esmail . El papel de Walter Cruz es carnoso, el de un militar veterano con trastorno de estrés postraumático que se somete a un tratamiento muy poco convencional supervisado por Heidi Bergman (Roberts). La representación increíblemente matizada de James respeta cada parte de esa lucha (y el podcast de Gimlet Media) al mismo tiempo que insinúa una vida que no se había visto ni escuchado anteriormente. Walter puede ser el que está en el diván del analista, pero con respuestas mesuradas a las preguntas de Heidi, él parece estar diciendo: "Cuéntame más". La mayor parte de ese trabajo de personajes cargado de emociones es de James: la relación de Walter y Heidi, ya sea una amistad o algo más, está predeterminada, pero no sería nada sin la intimidad desarrollada por cada sonrisa de complicidad intercambiada entre ellos. Este es un año extraordinario para James, quien también protagoniza la dolorosamente hermosa If Beale Street Could Talk de Barry Jenkins , pero no parece preocupado por ser el centro de atención. Su actuación es tan generosa como seductora, absorbiendo y reflejando las oleadas de anhelo que emanan de Roberts como Heidi. [Danette Chavez]

Por lo general, en un misterio gótico y sombrío, del tipo que Sharp Objects hizo girar en el transcurso de ocho semanas este verano, nuestro personaje principal / investigador es bastante sólido, para darnos algo a lo que aferrarnos en toda la oscuridad. Pero Camille Preaker de Amy Adams ya es una víctima que se hunde en Wind Gap, Missouri, cuando la conocemos al comienzo de la serie: una ex chica de oro que ahora es una reportera alcohólica, su pasado problemático inmortalizado por las palabras que ha escrito. su piel por todo su cuerpo. El hecho de que esas palabras estuvieran escritas por la propia mano de Adams es revelador; la actriz posee por completo el papel de Camille, quien se ve obligada a mudarse a la antigua casa familiar de los horrores para investigar una serie de asesinatos de niños en su ciudad natal. La densa tensión que impregna a la familia Preaker / Crellin es sofocante, lo que hace que Camille se abalance sobre sus botellas Evian llenas de vodka; cuanto más descubre, más ella misma se desenreda, hasta que llegar a la verdad casi causa su propia destrucción también. Cada vez más durante los ocho episodios, Adams abre valientemente a su personaje a una serie de exposiciones emocionales cada vez más devastadoras, hasta que su dolor se convierte en el nuestro: Sharp Objects termina en el rostro de Camille, una combinación imposible de asombro total y pérdida total, la única manera podría haberlo hecho. [Gwen Ihnat]

Si solo viéramos Pray Tell en el modo de maestro de ceremonias en toda regla, entregando lecturas mordaces y lanzando huzzahs con igual y majestuoso abandono, entonces Billy Porter de Pose habría dado una de las mejores actuaciones del año. En un conjunto absolutamente apilado, se destacó desde el primer momento. Ofrecer una actuación que crepita no solo con electricidad sino también con una autenticidad que de alguna manera se las arregla para enraizar más firmemente la historia en su tiempo y lugar, no es tarea fácil. Pero a medida que continuaba la historia de Pray Tell, y a Porter se le daba más para jugar y explorar, su trabajo se volvió cada vez más vulnerable y desgarrador. En la temporada destacada "Love Is The Message", Pray Tell organiza un cabaret para los pacientes con sida en un hospital local, y luego se desata con una versión desmayadoramente romántica de "For All We Know" de Donny Hathaway. Es un momento que pocos episodios o artistas podrían superar. Minutos después, Porter lo supera. Así es ver su trabajo en esta excepcional temporada de primer año: justo cuando piensas que no puede mejorar, lo hace; justo cuando piensas que nada más puede ser tan doloroso y hermoso, él demuestra que estás equivocado. La merecida nominación al Globo de Oro de Porter esta semana será la primera de muchas, marquen nuestras palabras, y Dios mío, no podemos esperar al discurso de aceptación. [Allison Shoemaker]

Desde el comienzo del superlativo drama de espías The Americans , Stan Beeman de Noah Emmerich tuvo que lidiar con estar 100 por ciento equivocado. Es el mismo desafío que se le presentó a Laurence Fishburne de Hannibal : "Usted es un brillante agente federal de carrera que va a pasar años junto al tema de su investigación sin siquiera darse cuenta: ¡adelante!" Sin embargo, el agente de contrainteligencia Stan tuvo lo peor, ya que su posición como vecino de al lado de un par de espías soviéticos encubiertos sonaba como la cereza sobrecalentada en la parte superior de la serie, que ya era un pastel de alto concepto cuando comenzaron The Americans . Pero el aparentemente imperturbable Stan, interpretado por Emmerich con su característica seriedad rubicunda y de ojos amables, logró hacer que su arco de seis temporadas de sospechas vacilantes y oportunidades recién perdidas fuera desgarradoramente humano, sin hacernos sentir que Stan era todo menos un espía estelar. cazador. A medida que las insatisfacciones suburbanas de denominador común de Stan y su vecino / cantera Philip unieron a la pareja, su amistad también trascendió la mera invención, con Emmerich rastreando la desilusión gradual del tipo duro estadounidense Stan con la vida que había construido, directamente en la amistad paradójicamente más verdadera de su vida. En esta última temporada, Emmerich convirtió la eventual e inevitable confrontación de Stan con Philip, Elizabeth y su hija Paige Jennings en una tragedia clásica, su tenso enfrentamiento en un estacionamiento al ver a Stan aceptar lo complejas que son sus lealtades. y cuánto está dispuesto a vivir en última instancia. [Dennis Perkins]

La mejor ficción de Stephen King encuentra la manera de fusionar lo sobrenatural con problemas completamente naturales como el dolor, el trauma y el drama familiar. Los escritores de Castle Rock encontraron una manera de entretejer esos problemas a través de su espeluznante narrativa sobre un joven que puede ser o no el diablo, pero guardaron su mayor hazaña para el episodio siete, "La Reina", proporcionando una plataforma para una gira. rendimiento de la fuerza de Sissy Spacek. Como Ruth, una mujer cuya creciente demencia ha borrado la línea entre el pasado y el presente, Spacek relata una verdadera confusión creciente, que culmina en un momento de puro horror que no proviene del otro lado sino de la falible condición humana. “The Queen” fue el escaparate, pero Spacek fue fenomenal durante toda la temporada, fundamentando Castle Rock en algo puro y con el que se puede relacionarse de una manera que solo una de nuestras mejores actrices vivas puede hacer. En un espectáculo propenso a fantasías espeluznantes, ella fue la piedra (lo siento) que lo basó en algo real, lo que hizo que su destino fuera aún más conmovedor y conmovedor. Cuatro décadas después de que definiera el legado de King en el cine como Carrie, Sissy Spacek lo ha vuelto a hacer para la televisión. [Brian Tallerico]

If nothing else comes of Donald Trump’s association with Vladimir Putin, we’ll always have the homophobic memes. Liberal society loves the story of the powerful closet case’s secret gay affair—because it’s never told by actual homosexuals. Enter Russell T. Davies, whose BBC miniseries A Very English Scandal rejects the usual pity and insularity and points back at the braying crowds. The true-ish story of rising Liberal Party leader Jeremy Thorpe (Hugh Grant) and the jilted lover (Ben Whishaw) he endeavors to silence, it’s a major work for all three primary collaborators—but for Grant it’s a culmination. From his brutal way with love in Maurice, across decades of cinematic charmers and cads, to his late embrace of the cartoon and the villain, Grant brings it all to bear on his portrait of a vampiric old queen whose ego and class interests violently win out against his humanity. Grant puts on a show—seduction, politics, Keystone comedy—every unpracticed jaunt and studied look of confusion an expression of the status that distinguishes and excuses him. It’s a challenge to the received wisdom. With his wolfish smile and batting eyes, Grant embodies not the self-hating queer, but the insatiable monster. [Brandon Nowalk]

Even at his career peak, Brendan Fraser was not getting a lot of serious roles. There’s something about his all-American physicality that makes filmmakers want to place him on a spectrum somewhere between goofball and lummox. But in Trust, the FX limited series about the Getty kidnapping of the 1970s, Fraser reminds us what he could do in the supporting role of James Fletcher Chace, a fixer in the employ of Getty (Donald Sutherland) tasked with miscellaneous duties related to the kidnapping of Getty’s grandson (though not, notably, simply handing over the ransom money). Fraser, meanwhile, is tasked with occasionally breaking the fourth wall with audience asides, and he’s so quietly commanding as Chace that the show sometimes suffers in episodes where he takes a backseat or doesn’t appear at all. The bright side, though, is “Lone Star,” a character showcase mostly following Chace as he initially attempts to track down the Getty kid. Fraser, bulked up in middle age, smartly underplays his physical side; Chace is believably tough, but he meets almost everyone with a plainspoken politeness as he plays amateur detective out of his element in Rome. His character is ultimately not particularly heroic (he still works for the odious Getty, after all), but Fraser captures the nuances of a man whose decency doesn’t keep him from becoming something of a helpless by stander. [Jesse Hassenger]

If there’s an art to vocal fry, Annie Murphy of Schitt’s Creek has mastered it. As Alexis, the daughter in the abruptly impoverished Rose clan, she’s essentially developed her own language of vocal tics and mannerisms. In her capable hands, the simple pronunciation of her brother’s name became so memorable that the writers are apparently finding extra ways to shoehorn in opportunities for her to say it, and there’s an entire compilation on YouTube of the many times she has said, “Ew, David!” But Alexis is more than her YouTube roundup would suggest—in the most recent (and best) season, she struggled through romantic heartbreak and opening her own business. It’s quite a ways from the premiere, when she was a high school dropout who never spoke to her family. It would be very easy for a character like Alexis to be one note: the spoiled rich girl who doesn’t know anything about real life. But even amid the comedy royalty playing the other Roses (Eugene and Dan Levy, Catherine O’Hara), Murphy stands out for her careful crafting of a portrait of a vulnerable, newly ambitious woman who, at 30, is finally figuring out what she wants in the world. [Lisa Weidenfeld]

Befitting its subject matter, Maniac has some issues figuring out its tone. The show veers between treacly material about “mental illness,” genre pastiche, and dark comedy about technological advances and the struggle to exist. The comedy is the most consistently successful part of the show, and it largely works because of Justin Theroux’s performance as Dr. James Mantleray. The mastermind behind the cutting-edge, dangerous drug study that absorbs the other characters, Mantleray is obstinate, insecure, and hilarious to watch. Wearing a limp, ridiculous hairpiece and scrunching his mug into a permanent condescending, gaping fish face, Theroux throws himself fully into the role of a grown man who is terrified of his mother and trying desperately to render her profession obsolete. It’s a performance that’s been compared to John C. Reilly’s mythical creation Dr. Steve Brule—and while nothing beats Brule for pathos, Mantleray, introduced to the show using a VR setup to jerk off while pretending he’s the king of Atlantis, might be an even more pathetic creature. Coming from The Leftovers, Theroux follows in the tradition of Jon Hamm as a ridiculously hot person trying to discover if playing dumb and kind of gross will be funny. It is. [Eric Thurm]

Not only does Mandy Moore have the hardest job on This Is Us, she also has one of the hardest jobs on TV. Portraying family matriarch Rebecca Pearson across 50 plus years of history, Moore regularly hops from playing a bright-eyed twentysomething to a melancholy grandmother, and everything in between. And unlike This Is Us’ breakout stars, Sterling K. Brown and Milo Ventimiglia, she doesn’t have the benefit of playing a character who’s preternaturally likable. Quietly flawed suburban moms aren’t exactly pop culture’s go-to figures of sympathy, which could be part of the reason Moore’s work on the series has been so weirdly underpraised—she’s yet to receive an Emmy nod and was ignored by this year’s Golden Globes, too—or perhaps it’s just because she makes her Herculean task look so easy. Without relying on showy tics, Moore subtly shifts her physical and vocal performance for each stage of Rebecca’s life, slowly adding layers to believably build up to playing a character twice her age. Moore nails big emotional scenes like an explosive present-day family therapy session or a postpartum grocery store breakdown, but her best moments tend to be quiet and understated—like the disbelieving way Rebecca processes the news that her husband has unexpectedly died. Given a featured spotlight on This Is Us’ second season, Moore proved she’s an actor with incredible craft. It’s about time we started talking about her that way. [Caroline Siede]

On the original 1960s version of Lost In Space, Jonathan Harris played the devious Dr. Zachary Smith as a comical coward and bumbler, causing trouble for the Robinson family more due to a generalized incompetence than any overt evil. But on the Netflix revival, Parker Posey’s take on Dr. Smith—or, more accurately, her take on the cleverly named, egomaniacal con-woman June Harris, a fugitive from justice who impersonates Dr. Smith in order to escape to another planet—is more deliciously malicious. Set against the magnificent Molly Parker as super-mom Maureen Robinson, Posey’s bad doctor isn’t just a delight to watch, she also gives the show its sense of purpose. The actress uses her go-to facial expression (eyes wide, mouth agape) to convey the combination of sweaty panic and improvisatory shrewdness that keeps her character alive. She’s playing a terrible person, in an absolutely wonderful way, in a series about the mundane problems humanity has to overcome to keep going as a species. [Noel Murray]

Amazon’s afterlife sitcom Forever escaped never-ending banality thanks to the odd cast of characters that inhabited this particular community of “formers.” Noah Robbins’ eternal 17-year-old, Mark Erickson, particularly stood out, as a technical 58-year-old with the sensitivities of a 1970s hooligan. Mark’s endless crankiness was juxtaposed with Oscar’s pleasantness, earnestly translated by Fred Armisen; as much as Mark protests Oscar’s bonding efforts, like the attempt to throw him a series of around-the-world dinner parties, the two wind up true friends in the end, bonded by Oscar’s heartbreak and Mark’s crush on the coolest girl at his high school, now a middle-aged woman in the house down the block. There are worse ways to spend eternity than hanging out at skateboarding parks, eating Reggie bars, and jamming to Blue Oyster Cult, and Robbins’ Mark appears to have pragmatically come to grips with his afterlife fate, despite his appealing surliness. Robbins had already won us over as Unbreakable Kimmy Schmidt’s nerdy, well-meaning boss Todd; by playing Mark in the same year, he established himself as a young actor to keep an eye on, belying his brief time on this particular earth. [Gwen Ihnat]

On this batty, sadly canceled Comedy Central sitcom, Detroit joins Philadelphia as a city of brotherly love. Tim Robinson and Sam Richardson play Tim and Sam, respectively, best friends and brothers-in-law who run a Detroit-based advertising agency. Every episode, the duo concoct campaigns for their clients—wig stores and other low-budget shops—and bumble in search of new business. Robinson and Richardson are veterans of Chicago comedy, so no surprise their work embodies a core tenet of improv and sketch: introduce characters who like each other. They eschew the traditional straight man/funny man dynamic, where one would deliver all the punchlines, in favor of elevating each other’s barrage of jokes. For every tagline Tim pitches, Sam has another at the ready, and vice-versa. They fail together, hitting the bar to praise each other for genius ideas simply ahead of their time. At the height of their tension in season two, the partners of Cramblin Duvet split and Sam, who secures a new job, stumbles upon a struggling Tim, in the midst of a desperate pitch. (“123 W arehouse: It’s as easy as ABC... warehouse.”) He quickly ducks in to help his former partner. Sam and Tim reunite and confess love for one another. In this heightened version of Detroit, blood runs thicker than water, even for honorary brothers. [Steve Heisler]

As TV villains have become more nuanced and compelling, their nobler counterparts have struggled to keep up, leading to a protagonist problem in even the best storytelling. But Killing Eve manages to have its cake—or, shepherd’s pie, as the case may be—and eat it, too. Sandra Oh and Jodie Comer bring classic Hollywood chemistry to Phoebe Waller-Bridge’s innovative, erotically charged thriller. Villanelle is the showier of the roles that make up this perfect pairing, and Comer absolutely dazzles as the remorseless psychopath and highly skilled killer from her first moment on screen. She arranges and rearranges her delicate features into the full spectrum of human emotion, including desire, curiosity, and barely suppressed rage. But as expertly as she approximates these feelings, they’re nothing more than a look that Villanelle is trying to nail—and Comer’s jaw-dropping performance captures both the effort and her pleasure at what she’s getting away with. That is, until she meets Sandra Oh’s Eve Polastri, the mid-level MI5 officer who’s hot on her tail (and, as the chase goes on, under the collar). Her character may be a step or two behind, but Oh matches Comer move for move, steadily peeling back the more mundane layers of Eve’s existence to reveal a well of longing. Eve’s wardrobe may not hold a candle to Villanelle’s, but Oh’s performance is every bit as exceptional as Comer’s. [Danette Chavez]

When you have a story about a ragtag bunch of misfits coming together for the power of teamwork, that story is only as good as both the talent of and the focus on said ensemble of misfits. This is a major part of why, while GLOW’s first season was very good, its second season was even better. It improved upon the show’s already impressive, albeit somewhat underutilized cast outside of Alison Brie and Betty Gilpin, allowing the series to better capture the feeling of being a story about a group of women building something together (professionally and personally). Even before the finale, episodes like “Nothing Shattered” and the gut-busting “The Good Twin” are the pay off of the series finally coming into its own regarding the ensemble, the culmination of a solid build-up for all of these characters.

Our coverage of GLOW included plenty of praise for (and awe of) Gilpin’s inhuman acting ability when it comes to her work as both Debbie and Liberty Belle. Even months removed from the season, her performance is still one of the most impressive (if not the most impressive) of the year. But the most surprising featured performance of the season came from Kia Stevens (namely in “Mother Of All Matches” ). Viewers could be forgiven for assuming Stevens was an established character actress instead of the absolute monster wrestler she actually was (asAwesome Kong/Amazing Kong/Kharma). GLOW has a talented cast across the board, but the series as a whole deserves praise for its ability to bring out unexpected or untapped talent in this cast at every turn. [LaToya Ferguson]

Early in Lodge 49’s first season, it registers as the story of two men—Dudley and Ernie, played by Wyatt Russell and Brent Jennings, both great—stuck in a rut whose lives will be changed by whatever alchemy is uncovered as they dig deeper into the lodge’s history. They’re actually the only characters mentioned in the Wikipedia plot summary. But the show quickly established a much broader interest in the death of the American dream, and while the entire ensemble (especially Linda Emond) does strong work building out this world, Sonya Cassidy’s Liz Dudley is at the heart of it. Crippled by her father’s debt, she’s at a dead end waiting tables, but feels equally adrift when welcomed into the vapid world of corporate leadership. After literally jumping off a yacht to escape capitalism’s version of upward mobility, Liz ends up at the bank that holds her father’s loan, and what follows is one of the most impactful scenes of the year. Carrying the weight of Liz’s personal grief and the season’s critique of the power that money holds over society, Cassidy lays bare the plight of debt-ridden Americans, and embodies the depth of theme and character that Lodge 49 and its ensemble developed (and which its Wikipedia page really needs to be edited to reflect, someone please get on that ASAP). [Myles McNutt]

Maya Rudolph should be nominated for her reading of “bubble bath” alone, but she’s given us so much more. She imbues The Good Place’s Gen, the eternal judge of the universe, with the breezy geniality of an old friend, offering chips and guac and chatting about Mark Harmon. As Forever’s June, Rudolph deploys deft and entirely believable reactions to outrageous circumstances, grounding a show that sometimes threatens to float into the ether. But it’s her performance as Big Mouth ’s Hormone Monstress that rises hair and haunches above the rest. Connie’s embodiment of adolescent urges, anger, and angst—and Rudolph’s rich, rolling delight in her own voice—reaches heights and depths that eclipse the barriers of age and gender. In the disco-inflected“I Love My Body,” Rudolph (living up to her mother’s legacy) celebrates the “cornucopia of flesh” that is human variety with loving raunchiness—and with a boundless joy that only bolsters the solemnity of her horny swearsies in season’s end. Maya Rudolph keeps being cast in otherworldly roles for a simple reason: Maya Rudolph is transcendent. [Emily L. Stephens]

The A.V. Club praised Bill Hader as one of the best TV performers of 2015 , singling out an active year when the Saturday Night Live alum put his man-of-a-thousand-faces abilities to the test across multiple programs. The following year , we lifted Hader up again, this time focusing on his work in Documentary Now; it was the season of the Spalding Gray episode, “I’m gonna cry now. It’s gonna be a weird cry,” and the Kid Stays In The Picture parody where Hader kills despite being restricted almost entirely to voice-over and still photography. He then made no major TV appearances in 2017, aside from a one-off appearance as Anthony Scaramucci on SNL. That year, The A.V. Club did not publish a list of the best TV performances.

Can it be any coincidence that we’ve revived this feature in the wake of another landmark Hader turn, this time his Emmy-winning work as an assassin-turned-aspiring-thespian on Barry? Yes, it absolutely can be. But the first season of Barry—in which Hader plumbs new depths of soulfulness and proves that it takes a great actor to do bad acting so well—will be the last eligible for inclusion on this list. Same for next year’s third season of Documentary Now: In fairness to the thousands of other actors currently working on TV, and in the hopes of avoiding the nightmarish scenario where someone looks at our year-end TV coverage and thinks, “Ugh, him again?”, Bill Hader is hereby enshrined in The A.V. Club Best TV Performances Of The Year Hall Of Fame. For the steely manner in which he guns down those Chechens at the end of the pilot, for every marble-mouthed recitation on Gene Cousineau’s stage, for the way Barry turns his performance inward after so many years of extremely outward performances—we salute you, Bill Hader. Please rise as The Blue Jean Committee plays a very special version of “Catalina Breeze” and we raise Stefon’s Ed Hardy shirt into the rafters, starting… now . [Erik Adams]

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